Destiny's Child

Destiny's Child es un joven grupo formado por cantante Beyoncé Knowles, junto con Kelly Rowland y Michelle Williams. El grupo lanzó cuatro álbumes de estudio de EE.UU. y cuatro singles número uno, y, entre ellos las emisiones en solitario, ha vendido más de 50 millones de discos en todo el mundo. [1] Destiny's Child vendió 17,5 millones de copias de álbumes en los Estados Unidos, convirtiéndose en uno de los mejores -venta de artistas en el país. [2] De acuerdo a los World Music Awards, que son los mejores del mundo-la venta de grupo femenino de todos los tiempos. [3] [4] de la revista Billboard ocupa el grupo como uno de los grandes musicales de tríos todo el tiempo, [5], y su labor en 2008 el grupo de todos los tiempos en el Hot 100 Artista [6].

Formado en 1990 en Houston, Texas, Destiny's Child miembros comenzaron sus esfuerzos musicales en su pre-adolescentes como un grupo de seis niñas con el nombre de las niñas Tyme. Después de años de la realización de metro, que firmó a Columbia Records y cambiaron su nombre. Destiny's Child fue lanzado en el sistema de reconocimiento tras el lanzamiento de su best-seller segundo álbum, La escritura está en la pared, que contenía los singles número uno de "proyectos de ley, proyectos de ley, proyectos de ley" y "Di mi nombre". A pesar de críticas y el éxito comercial, el grupo estaba plagada de conflictos internos y disturbios legales, como miembros LaTavia Roberson y LeToya Luckett intentado separó del grupo gestor Mateo Knowles. Que pronto se sustituyen por los Williams y Farrah Franklin, sin embargo, en 2000, Franklin parted también con el grupo, y que continuó como un trío.

Su tercer álbum, Survivor, que contiene temas de la opinión pública interpreta como un canal a la experiencia del grupo, eclipsado el éxito de sus anteriores esfuerzos, en todo el mundo con los éxitos "Mujeres Independientes", "Survivor" y "Bootylicious". En 2002, Destiny's Child anunció una pausa, lo que permite a sus miembros a alcanzar el éxito individual. Que se vuelve a unir con Destiny Fulfilled 2004's, y un año más tarde durante su gira mundial, anunció que el grupo definitivamente y desmantelar sus miembros perseguir carreras como solistas.
inglés



Una de mis canciones favoritas de este grupo es esta:

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The Chieftains

The Chieftains son un Grammy, ganador del grupo irlandés de música fundada en 1962, más conocida por ser una de las primeras bandas para hacer música tradicional irlandesa popular en todo el mundo.

El nombre de la banda entró en el libro La muerte de un cacique irlandés por el autor John Montague. La palabra cacique se deriva de la lengua Inglés traducción de la lengua irlandesa Taoiseach palabra, es decir, un jefe o líder del clan. Algunos historiadores indican que en la antigua Irlanda (de donde proceden estos términos), uno era menor de edad Taoiseach rey. Asistido desde el principio por Garech Browne, que firmó con su compañía Claddagh Records. Que necesitan el éxito financiero en el extranjero, y tuvo éxito en esto, como en pocos años su tercer álbum de la nota de la sección de manga fue impreso en tres idiomas.

La banda ha grabado muchos discos instrumentales de música popular irlandesa, así como múltiples colaboraciones con músicos populares de muchos géneros, incluido el país la música, la música tradicional gallega, Cabo Bretón y Terranova música y el rock and roll. Todos ellos han cumplido con Carlos Núñez, Van Morrison, Siobhan O'Brien, Moya Brennan, Mark Knopfler, Loreena McKennitt, Mick Jagger, Elvis Costello, Roger Daltrey, Nanci Griffith, Tom Jones, Sinéad O'Connor, James Galway, The Corrs, Art Garfunkel, Sting, Rosanne Cash, Jim Blanco, Tom Partington, Ziggy Marley, Lyle Lovett, Jackson Browne, y numerosos países occidentales artistas. En mayo de 1986 se realiza en auto ayuda, un concierto benéfico celebrado en Dublín, que se centró en el problema de desempleo crónico que está muy extendido en Irlanda en ese momento. En 1994 apareció en la producción de Roger Daltrey, el álbum y video de la Celebración: La música de Pete Townshend y The Who.

El grupo ha ganado seis Premios Grammy y ha sido nominado dieciocho veces. También han ganado un Emmy y un Genie y contribuyó con un par de pistas, incluyendo su muy elogiada versión de la canción Mujeres de Irlanda, a Leonard Rosenman, ganador del Oscar puntuación de Stanley Kubrick en 1975 la película Barry Lyndon. En 2002 se les dio un Lifetime Achievement Award por el Reino Unido la BBC Radio 2. Dos de sus singles han sido éxitos menores. Te dije que han Últimamente (acreditados en la caciques con Van Morrison), alcanzó el número 71 en 1995. I Know My Love (acreditados en The Chieftains con The Corrs), alcanzó el número 37 en 2002.

Las portadas de los cuatro primeros álbumes fueron diseñados por Eduardo Delaney.


Miembros de la banda

Paddy Moloney es el líder de la banda, compone y arregla la mayoría o de la banda de música. Si bien los miembros de la banda cambió varias veces en la banda de la historia, la composición solidificado en 1979, cuando Matt Molloy Michael Tubridy sustituye. Desde entonces y hasta 2002, los miembros incluyen:

* Paddy Moloney - uilleann tuberías, estaño silbato, botón acordeón, bodhrán
* Matt Molloy - flauta, silbato de estaño
* Kevin Conneff - bodhrán, vocal
* Seán Keane - violín, estaño silbato



Antiguos miembros

* Martin Fay - violín, huesos (se retiró en 2002)
* Derek Bell - arpa irlandesa, los instrumentos de teclado, oboe (murió en 2002 debido a complicaciones después de cirugía menor)
* David Fallon - bodhrán
* Ronnie McShane - percusión
* Peadar Mercier - bodhrán, huesos
* Seán Potts - silbato de estaño, de los huesos, bodhrán
* Michael Tubridy - flauta, concertina, estaño silbato


Discografía

•The Chieftains 1 (1963) (studio album)
•The Chieftains 2 (1969) (studio album)
•The Chieftains 3 (1971) (studio album)
•The Chieftains 4 (1973) (studio album)
•The Chieftains 5 (1975) (studio album)
•The Chieftains 6: Bonaparte's Retreat (1976) (studio album)
•The Chieftains 7 (1977) (studio album)
•The Chieftains Live! (1977) (live album recorded in Boston & Toronto during the 1976 american tour)
•The Chieftains 8 (1978) (studio album)
•The Chieftains 9: Boil the Breakfast Early (1979) (studio album)
•The Chieftains 10: Cotton-Eyed Joe (1981) (studio album)
•The Year of the French (1982) (studio album)
•The Grey Fox (1982) (soundtrack album)
•Concert Orchestra (1982)
•The Chieftains in China (1985) (live album)
•Music from Ballad of the Irish Horse (1986) (soundtrack album)
•Celtic Wedding (1987) (studio album)
•In Ireland (1987) [with James Galway] (studio collaboration album)
•Irish Heartbeat (1988)[with Van Morrison] (studio collaboration album)
•The Tailor Of Gloucester (1988) (narrated album)
•A Chieftains Celebration (1989) (studio collaboration album)
•Over the Sea To Skye: The Celtic Connection (1990) [with James Galway] (studio & live collaboration album)
•The Bells of Dublin (1991) (Christmas collaboration album)
•Another Country (1992) (studio collaboration album)
•An Irish Evening (1992) (live collaboration album)
•The Celtic Harp: A Tribute To Edward Bunting (1993) [with The Belfast Harp Orchestra] (studio album)
•The Long Black Veil (1995 & 2004 Mobile Fidelity Gold CD reissue) (studio collaboration album)
•Film Cuts (1996) (soundtrack compilation album)
•Santiago (1996) (studio & live collaboration album)
•Long Journey Home (1998) (soundtrack album)
•Fire in the Kitchen (1998) (studio collaboration album)
•Silent Night: A Christmas in Rome (1998) ("Christmas music" collaboration album)
•Tears of Stone (1999) (studio collaboration album)
•Water From the Well (2000) (studio collaboration album)
•The Wide World Over (2002) (compilation album)
•Down the Old Plank Road: The Nashville Sessions (2002) (studio collaboration album)
•Further Down the Old Plank Road (2003) (studio collaboration album)
•Live From Dublin: A Tribute To Derek Bell (2005) (live album)
•The Essential Chieftains (2006) (compilation album)

Arpa Irlandesa

El arpa irlandesa o arpa celta (cláirseach en gaélico) es otro de los símbolos principales de Irlanda. Está presente en todos los iconos irlandeses, tanto en las monedas (no hay más que ver que todas las monedas de euro irlandesas de todas las cantidades llevan el arpa) como en banderas desde la Edad Media o en la misma botella de cerveza Guinness o en la imagen modificada de la compañía aérea Ryanair…
Desde el siglo VIII hay rastros de su existencia y parece ser que los arpístas estaban especialmente bien considerados en la Corte de forma que incluso algunos Reyes fueron músicos relevantes. En el Trinity College podréis admirar una de las más antiguas que se conservan hoy en día, datada entre los siglos XIV y XV, llamada Brian Boru harp precisamente en honor al más afamado Rey arpísta medieval.
Hoy en día es un instrumento clave en la música folk celta.

Johann Sebastián Bach

Nació en Eisenach, Alemania, el 21 de marzo de 1685, formando parte de una familia turingia en la que muchos de sus miembros fueron músicos. El patriarca de esta familia fue Veit Bach, muerto en 1615 y el último de los nietos de Juan Sebastián, Wilhelm Friederich, maestro de capilla en la corte de Berlín, murió en 1846. Fueron padres de Juan Sebastián, Juan Ambrosio Bach y Elizabeth Lämberhirt; se educó en un medio familiar musical extraordinario, donde todo concurría a estimular sus poderosas facultades; célebres eran las reuniones de toda la familia Bach, en las que todos los componentes, eran relevantes músicos ya sea tocando o componiendo. Quedó huérfano de madre a los nueve años, y un año más tarde moría su padre, por lo que hubo de ir a vivir con su hermano mayor, Juan Cristóbal, que desempeñaba el cargo de organista en Ohrdruf, y con quien continuó sus estudios. Su pasión por la música era manifiesta; se cuenta que, en esta época, habiéndose rehusado su hermano a prestarle un libro que contenía piezas de Fröberger, Kerl y Pachelbel, se apoderó de él a escondidas y lo copió a la luz de la luna durante seis meses; se agrega que cuando ya había avanzado bastante en esta labor, fue descubierto por su propio hermano, quien, en un momento de ira, por la desobediencia del niño, destruyó el manuscrito llenando de desolación el corazón del pequeño Juan.
A los quince años entró en la escuela de S. Miguel, en Lüneburgo, quizás recomendado por su maestro Elías Herder, y en atención a su dedicación a la música y asu excepcional voz de soprano en este lugar permaneció ters años, llegando a desempeñar el cargo de "Prefecto de los niños del Coro", y teniendo en ocasiones, oportunidad de actuar no solamente como organista, sino como director del propio coro. A los dieciocho años ocupó un puesto como violinista en la orquesta del conde Juan Ernesto de Weimar, donde permaneció algunos meses.
En 1703 pasó como maestro de capilla a Arnstadt, donde tuvo tiempo suficiente para dedicarse al órgano y a la composición. Estando en este lugar hizo el viaje a Lübeck para oír al gran organista Buxtehude, pidiendo, para tal fin, cuatro semanas de permiso, que se convirtieron en tres meses: por este comportamiento recibió una reprimenda del Consistorio Condal, (de la que se conserva el acta correspondiente), a la cual contestó que "estuvo en Lübeck para imponerse allí de diversas cuestiones relacionadas con su arte... ". En el mismo documento se le llama la atención por no querer atender el "Coro de Niños", ocupación a la cual se revelaría toda su vida.
En 1707, se trasladó a Mulhausen, como organista de la iglesia de S. Blas, tomando posesión el 15 de junio. El 17 de octubre del mismo año contrajo matrimonio con su prima María Bárbara Bach. En 1708 vuelve a Weimar como organista y músico de cámara del dque reinante. Su estancia se prolonga hasta 1717. En esta etapa de su vida el repertorio del órgano y de diversos instrumentos reciben la magistral aportación de J.S. Bach: entre las composiciones de este período figuran la "Tocata y fuga en re menor" y la monumental "Pasacalle en do menor".
Uno de los más importantes acontecimientos ocurridos en esta época fue su "tournée" artística a Dresde en 171: se hallaba allí el notable organista Jean Luis Marchand, (1669-1732) quien no solamente exaltaba la superioridad del arte francés, sino que, además, se proclamaba a sí mismo como el mejor organista, añadiendo que no había en toda Alemania quien pudiese comparársele.
Entre los músicos de Dresde había varios que conocían a Bach, (uno de ellos Jean Baptiste Volumier), quienes le invitaron para competir con Marchand. Aceptó, y después de oír, secretamente, al organista francés, lo desafió por escrito para efectuar un concurso, que consistiría en desarrollar un tema, dado por el oponente en el mismo momento en que se efectuase el acto. Señalado el jurado, el lugar, (la casa del primer ministro Flemming) y la fecha (desafortunadamente perdida), Bach se presentó puntualmente a la hora convenida, pero esperó puntualmente a su rival: Marchand se ausentó de la ciudad en la mañana de ese mismo día, por la posta ligera, dando así, implícitamente, la victoria al maestro alemán, quien recibió de los asistentes no solamente felicitaciones, sino innumerables consideraciones que llevaron su fama por distintos países. Pero el príncipe de Weimar, Wilhelm Ernest, permaneció indiferente al triunfo de su músico: veamos como lo recompensó.
En 1714 había sido designado Bach violín concertista de la orquesta, y con este carácter substituía al director titular, Samuel Drese: esta circunstancia le hizo concebir esperanzas, cuando murió este maestro, de que sería nombrado para sucederle en el puesto; y al no haber sucedido así manifestó su disgusto en forma tan ostensible y destemplada, que fue a dar a la cárcel, arrestado por cuatro semanas. Al ser puesto en libertad presentó su dimisión. En 1717 fue a Cöthen, donde entró al servicio del príncipe Anhalt, quien le confió la dirección de su orquesta. Se inauguró para Juan Sebastián una de las etapas más felices de su vida, gozando de grandes consideraciones y estimación: aquí escribió la primera parte del "Clavecín bien temperado", los "Conciertos de Brandeburgo", música de cámara y obras que tituló "Sonatas", para violín, flauta, viola de gamba, etc., que llegan al límite de las posibilidades técnicas de los instrumentos.
En 1720, mientras acompañaba al príncipe en Carlsbad, murió su esposa, que fue enterrada el 7 de julio. Bach recibió con dolorosa entereza la noticia de la muerte de su mujer, que era "apacible, tranquila y dulce, adornada por dotes musicales suficientes para comprender la obra de su esposo, y ofrecerle, de puertas adentro, un hogar honrado y virtuoso". Sin embargo, al año siguiente contrajo nuevas nupcias con Ana Magdalena Wülken, efectuándose la ceremonia en el hogar del maestro el 3 de diciembre de 1721. La forma en que se conocieron se encerró dentro de las siguientes circunstancias: Bach había ido a Hamburgo a escuchar, una vez más, al organista Reinken, quien después de oírlo improvisar le dijo: "Creía que este arte había muerto ya, pero veo que sigue viviendo en vos".
En 1723, Bach parte para Leipzig a tomar posesión del puesto que ocuparía hasta su muerte: "Cantor de la iglesia de Santo Tomás y director de la música de la Universidad". Cumpliendo rigurosamente con los deberes que tenía encomendados, encontró la manera de hacer algunos viajes, entre ellos el que emprendió a la corte de Federico el Grande, llegando a Potsdam el 7 de mayo de 1747, acompañado de su hijo Emmanuel. Se cuenta que cuando el monarca fue enterrado de que había llegado, voliéndose a los músicos de su orquesta, dijo con cierto tono de impaciencia: "Señores: el viejo Bach acaba de llegar". Y dio las órdenes para que el gran maestro se presentara inmediatamente en palacio. Al llegar dijo: "señores: ponéos de pie, que el gran Bach está entre nosotros". En los últimos años de su vida, Bach padeció una enfermedad de los ojos que empeoró hasta dejarlo completamente ciego. Su muerte ocurrió el martes 29 de julio de 1750, alas ocho y cuarto de la noche.

Elvis Presley

(Tupelo, EE UU, 1935 - Memphis, id., 1977) Cantante de rock and roll y actor estadounidense. Nacido en el seno de una familia modesta, el joven Elvis Presley se vio obligado a trabajar desde muy temprana edad. A los once años, y ante su insistencia, sus padres le regalaron su primera guitarra.
En 1948, su familia se trasladó a Memphis, uno de los centros de la actividad musical del país. Cuando Elvis contaba apenas diecinueve años, el productor Sam Phillips, propietario de Sun Records, decidió editarle un single que contenía los temas That’s all right y Blue Moon of Kentucky. Este primer intento le abrió las puertas de un programa radiofónico de música country, Louisiana Hayride, con un abanico de emisión que comprendía trece estados.
En 1955, con su popularidad en aumento, Elvis Presley fichó por la discográfica RCA. El de 1956 fue un año clave para la trayectoria de Elvis, gracias al tema Heartbreak Hotel, del cual vendió trescientos mil ejemplares en tres semanas y acabó siendo el primero de sus discos de oro. También editó su primer elepé, titulado Elvis Presley, que alcanzó el millón de copias vendidas, y se comprometió por siete años con los estudios cinematográficos Paramount, ávidos de contratar a un ídolo juvenil emergente que ya por aquel entonces provocaba ataques de histeria entre las asistentes a sus conciertos.
Sus apariciones televisivas empezaron a ser habituales y las cantidades ingresadas por éstas alcanzaron cifras récord en la historia del medio. Paralelamente a su imparable ascenso a la fama mundial, algunos sectores conservadores de la sociedad estadounidense se opusieron con tesón tanto al personaje como a su música, que tildaban de pervertida e inmoral, en particular a raíz de su celebérrimo movimiento de cadera, cuyo impacto fue tan inmediato que el cantante recibió el apodo de Elvis Pelvis.
Como culminación del meteórico año de 1956, el 16 de noviembre se estrenó en Nueva York con gran éxito Love me tender, el primer film que protagonizó Elvis Presley, y el Wall Street Journal le dedicó un artículo en el que destacó los 22 millones de dólares que el merchandising asociado a su imagen llevaba recaudados hasta aquel momento.
En marzo de 1957 adquirió la mansión de Graceland, en la ciudad de Memphis, que se convertiría con el tiempo en lugar de peregrinaje para sus incontables admiradores. En 1958, en el cenit de su carrera, fue llamado a filas por el ejército y destinado a Berlín Occidental, donde conoció a Priscilla Ann Beaulieu, con quien contraería matrimonio nueve años después.
Elvis Presley se licenció en marzo de 1960 e inmediatamente reanudó su actividad artística, para encadenar una larga serie de números uno en las listas estadounidenses con títulos como It’s now or never o Are you lonesome tonight? y protagonizar no menos de diez películas, entre las que cabe citar Chicas, chicas, chicas (Girls, girls, girls, 1962) y Viva Las Vegas (1964).
En la segunda mitad de la década comenzó la «invasión británica» que protagonizaron grupos como The Beatles y que conllevó cierta erosión en la popularidad del cantante, agravada por una aparente crisis artística que se prolongó hasta 1968, cuando se le ofreció protagonizar un especial televisivo, que se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia de la pequeña pantalla.
Los primeros años de la década de 1970, sin embargo, supusieron para Elvis Presley un nuevo bache creativo, agravado por su adicción a las drogas y la reclusión en su mundo de fantasía particular en que se convirtió su mansión de Graceland. En 1973 se divorció de Priscilla Beaulieu y su imagen adquirió el tono claramente excesivo que caracterizó sus últimas apariciones: exagerado tupé, sobrepeso y trajes de cuero blanco con pedrería.
Tras caer inconsciente en varias ocasiones en el escenario, falleció oficialmente de un ataque al corazón, sin duda consecuencia de sus excesos. A pesar de su acelerado declive, Elvis Presley se ha convertido en un icono del siglo XX y en una de las figuras más relevantes de la historia de la música popular, como atestiguan sus más de cien discos de oro, platino y multiplatino.

Sonata

Sonata es el nombre dado a distintas formas musicales, empleadas desde el período barroco hasta las experiencias más rupturísticas de la música contemporánea.
Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto a una pieza musical completa, como a un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este procedimiento es conocido como «forma sonata».

Historia
La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma musical, es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno o más instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos.
En la época barroca, el término sonata se utilizó con relativa libertad para describir obras reducidas de carácter instrumental, por oposición a la cantata, que incluía voces. Sin embargo, la sonata barroca no está definida por una forma específica de su argumento musical.
En la época de Arcángelo Corelli se practicaban dos formas bajo el nombre de sonata: la sonata da chiesa, habitualmente para violín y contrabajo, compuesta habitualmente por una introducción lenta, un allegro a veces fugado, un cantabile y un final enérgico, en forma de minuet; y la sonata da camera, compuesta de variaciones sobre temas de baile, que desembocaría en la suite o partita. Sin embargo, ambas formas se combinaban libremente, y no sería hasta la época de Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel en que la forma de la primera adquiriría cierta estabilidad. Entre las obras de Domenico Scarlatti y Domenico Paradisi, por ejemplo, se encuentran cientos de obras llamadas sonatas compuestas en sólo uno o dos movimientos, muchas veces de gran vigor y complejidad de ejecución. La mayoría de estas sonatas están compuestas para clavicémbalo y otro instrumento, habitualmente flauta o viola.
A inicios de la época clásica pasó a reservarse el nombre para obras de un instrumento o un instrumento y piano, concebidas de acuerdo a una estructura de tres o cuatro movimientos en los que el tema musical se introduce, se expone, se desarrolla y se recapitula de acuerdo a una forma convencional. Los nombres de divertimento, serenata o partita siguieron en uso hasta alrededor de 1770, pero a partir de Haydn cayeron normalmente en desuso. Al mismo tiempo se popularizaron los nombres de trío y cuarteto para las piezas con tres y cuatro instrumentos respectivamente.
Las sonatas de Haydn se estructuran en un allegro, en que el tema musical se muestra y desarrolla brevemente, un segundo movimiento más pausado —muchas veces andante o largo, aunque ocasionalmente se empleó el minuet— en que el tema se desarrolla extensamente mediante técnicas orquestales, y un movimiento final —nuevamento allegro o aún presto— a veces planteado como un rondó, en que se recapitulaba el desarrollo orquestal prescindiendo de las modulaciones. En algunos casos se utilizó el esquema de cuatro movimientos, incluyendo tanto el minuet como el andante en el desarrollo temático.
Este último esquema predominó en la época considerada canónica de la sonata, con su desarrollo con Ludwig van Beethoven. El desarrollo en cuatro movimientos se había extendido ya para los cuartetos y las sinfonías.

Movimientos
1.Allegro de sonata: el primer movimiento es un alegro complejo (en «forma sonata» propiamente dicha), dotado o no de una introducción lenta. Está formado por tres secciones: exposición, desarrollo y reexposición.
1.La exposición consiste de dos temas, el primer tema «A» esta en la tonalidad principal de la sonata y el segundo en una tonalidad vecina (para sonatas en tonos mayores por lo general al quinto grado y en tonos menores al tercer grado o relativa mayor). Entre el tema «A» y el «B» hay un puente sin mucha importancia melódica que modula de una tonalidad a la otra. Tras el tema «B» hay una coda de la exposición en la que se puede volver a la tónica inicial o mantenerse en la tónica secundaria propia del tema «B».
2.El desarrollo tiene una estructura libre, pero podemos decir que el compositor toma algunos de los dos temas, o ambos o partes de los mismos y los somete a innumerables procedimientos compositivos, jugando con ellos. Es el momento de mayor tensión de la obra en donde se producen más cambios armónicos y hay una cierta inestabilidad tonal.
3.La reexposición sucede cuando el compositor vuelve a presentar los temas completos y ambos en la tonalidad principal. Era muy común que para finalizar el movimiento el compositor añadiera una coda, lo que tuvo una gran repercusión en el concierto dando origen a la cadenza (Recordemos que el primer movimiento del concierto también utiliza la forma sonata).
2.Movimiento lento, andante, adagio o largo, que puede tener diversas formas como suite o lied;
3.Movimiento en forma de danza, minuet o a veces scherzo;
4.Un nuevo allegro, menos formalmente estructurado que el inicial allegro da sonata o puede tener otras formas como el rondo-sonata que es una combinación de la forma rondó con la forma sonata explicada para el primer movimiento;
La fijación de esta forma, sobre todo a través de las numerosas sonatas de Beethoven, influyó profundamente en la época romántica, cuyos conservatorios codificaron la práctica. La noción de la estructura formal se tomó como paradigma de otros géneros, llevando a considerar, por ejemplo, la sinfonía como una «sonata para orquesta». Chopin, Mendelssohn, Schumann, Liszt, Brahms y Rachmaninoff hicieron extenso uso del principio teórico de la sonata en composiciones famosas.

Bob Seger

Robert Clark "Bob" Seger (nacido el 6 de mayo de 1945) es un músico de rock y de cantautor.
Después de años de la zona local de Detroit éxito, y la realización de la grabación a mediados de los años 1960, Seger alcanzados por el estado de la superestrella de mediados de los años 1970 y continuando durante la década de 1980 con el Silver Bullet Band. Un rockero con raíces en un clásico áspero, gritando voz, Seger fue inspirado por Little Richard y Elvis Presley. [1] Él escribió y grabó canciones que tratan temas de cuello azul. Seger ha grabado muchos éxitos de rock and roll, como "Noche se mueve", "Tenemos esta noche", "como una roca" y también co-escribió el número uno Aguilas éxito "angustia esta noche." Su firma icónica canción "Old Time Rock and Roll" fue nombrada como una de las Canciones del Siglo en 2001. Con una carrera de cinco décadas, Seger sigue para realizar y registrar el día de hoy.
Seger fue investido en el Rock and Roll Hall of Fame en 2004.

Biografía

Los primeros años
Bob Seger nació en el hospital Henry Ford en Detroit y vivían en la zona hasta la edad de 6 años cuando su familia se trasladó a cerca de Ann Arbor, Michigan. Seger cuando tenía 10 años, su padre abandonó la familia y se mudó a California. Seger asistieron Tappan Middle School y High School en Ann Arbor (ahora Pioneer High School) en Ann Arbor y se graduó en 1963. Corrió de atletismo en la escuela secundaria, y fue considerado uno de los mejores corredores en Michigan. Seger fue a Lincoln Park High School durante un año.

Influencias
Bob Seger ha declarado que "Little Richard fue el primero que realmente tiene para mí. Little Richard y, por supuesto, Elvis Presley." [2] Crecer, Seger, también escuché a James Brown y ha dicho que para él y sus amigos, Live at the Apollo era su registro favorito. "Vamos ir conmigo" por The Del vikingos fue el primer disco que compré. Seger también llamado Van Morrison como uno de sus influencias y cubrió una de sus canciones menos conocidas "he estado trabajando" en su álbum en directo de Live bala. Citan Frankie Miller, Graham Parker, John Fogerty y Bruce Springsteen, Seger señaló: "Hay un poco de toda la camarilla de hombres vocalistas. Estamos todo tipo de conexión. Creo que hasta el último uno de nosotros tiene una conexión con Van Morrison.

Dimitri Tiomkin

Biografía

Dimitri Tiomkin (Ucrania, 10 de mayo de 1894 - Londres, Gran Bretaña, 11 de noviembre de 1979), compositor estadounidense de origen ruso.
Compositor de música para cine y pianista de origen ruso. Nació en San Petersburgo, en cuyo conservatorio estudió piano y composición. En 1917, tras la Revolución Rusa, se trasladó a Berlín, donde estudió durante tres años con Ferruccio Busoni y actuó como concertista. Llegó a Estados Unidos a finales de la década de 1920 y su carrera en el mundo del cine comenzó en la Metro Goldwyn Mayer en 1930 cuando su mujer, coreógrafa, le encargó componer la música de unas piezas de ballet para tres películas. Su primera composición dramática importante la escribió en 1937 (año en el que se nacionalizó estadounidense) para la película Horizontes perdidos, de Frank Capra. Trabajó en otras películas de este director, como Caballero sin espada (1939) y ¡Qué bello es vivir! (1946). La destreza de Tiomkin para la composición sinfónica de música de carácter épico se refleja en varios westerns como Duelo al sol (1946, de King Vidor), Duelo de titanes (1956, John Sturges) y El Álamo (1960, John Wayne). También compuso la música de Solo ante el peligro (1952, Fred Zinnemman), por la que obtuvo el Oscar a la mejor canción y a la mejor banda sonora. Entre sus numerosos éxitos, que abarcan gran variedad de géneros, se encuentra la música de tres películas de Alfred Hitchcock: Extraños en un tren (1951), Yo confieso (1952) y Crimen perfecto (1954). A finales de la década de 1950 era el compositor mejor pagado de Hollywood. Se retiró diez años más tarde y a lo largo de su carrera compuso música para más de 120 largometrajes y recibió un total de trece nominaciones al Oscar.

Antonio de Cabezón

Antonio de Cabezón
Antonio de Cabezón (Castrillo Matajudíos (Burgos), 1510 - Madrid, 26 de marzo de 1566). Compositor español del Renacimiento, conocido como el Bach español.

Ceguera
Quedó ciego de niño, probablemente a los ocho años, circunstancia adversa que no le impidió cursar brillantemente estudios musicales. Tuvo siempre una gran vocación musical y por eso se trasladó a Palencia donde se encontraba García de Baeza, organista de la catedral, con quien continuó sus estudios. Llegó a ser músico de cámara de Carlos V y años más tarde lo fue también de Felipe II. Hizo varios viajes por Europa, siempre con la Corte, hecho que aprovechó para conocer a los grandes músicos de las escuelas europeas. El compositor francés Josquin Des Pres influyó bastante en el estilo polifónico de Cabezón a la vez que éste influyó sobre aquel en sus variaciones. Fue un buen compositor independientemente de que fuera ciego.

Compositor
Se dedicó sobre todo a la música para teclado. Trabajó y desarrolló nuevas formas como las glosas de romances (adaptaciones para teclado de obras polifónicas de otros compositores), las diferencias (variaciones sobre canciones y danzas francesas y españolas) y los tientos (motetes instrumentales basados en la imitación). También compuso algunas piezas litúrgicas.

Publicación de su obra
Doce años después de su muerte, su hijo Hernando de Cabezón publicó su obra. Llevó el título de Obras de música para tecla, arpa y vihuela (instrumento de cuerda) de Antonio de Cabezón (1578). Con anterioridad, Luis Venegas de Henestrosa había publicado en Alcalá de Henares el Libro de cifra nueva para tecla, arpa y vihuela (1557) que incluía 40 piezas de Cabezón. En el año 1966 se publicó en Barcelona una nueva edición debida a Higinio Anglés que no estaba completa y años más tarde la musicóloga María Asunción Ester Salas publicó otro tomo con las obras que faltaban.

Vihuelistas

Luis de Narváez

Luis de Narváez (Granada, España, ca. 1500 - entre 1550 y 1560) fue un compositor y vihuelista español. Su nombre aparece escrito también como Luys de Narváez.

Vida
Poco se conoce de su biografía. Se sabe que nació en Granada a finales del siglo XV, o en torno a 1500. Su primera aparición fue en casa del comendador mayor Francisco de los Cobos, a quien le dedica su principal obra, Delphin de música para vihuela, y a cuyo servicio está hasta la muerte del comendador en 1547. Luís de Narváez entra después como compositor al servicio de Carlos I y del príncipe Felipe, que será luego rey Felipe II en 1558

Obra
Se dedicó sobre todo a la polifonía vocal y, sólo en segundo lugar, a la música para vihuela. No obstante, hoy en día se le recuerda más por esta última faceta. Es autor de Los seys libros del Delphin de música de cifra para tañer vihuela, publicado en Valladolid en 1538). Se trata de una colección que incluye un elevado número de fantasías instrumentales sobre modelo italiano, que fueron muy influyentes en décadas posteriores: romances, villancicos y grupos de diferencias (variaciones sobre canciones ya familiares a los oyentes, como las Diferencias sobre "Guárdame las vacas",), que son ejemplos de las primeras variaciones de la historia de la música. Basándose en los cantos gregorianos y en los romances españoles, la obra incluye arreglos y fantasías polifónicas cercanas al estilo de la escuela franco-flamenca.
Contiene igualmente las primeras transcripciones para vihuela de canciones polifónicas. Sus piezas más conocidas son precisamente las transcripciones de la obra de Josquin Des Pres para cuatro voces "Mille regretz", también conocida como "La Canción del Emperador", por ser una de las canciones favoritas de Carlos V, que mantiene una destacada fidelidad al original; y por la canción "Paseavase el rey Moro", con su acompañamiento de vihuela.
Dos de sus motetes se publicaron en libros de motetes en 1539 y 1543 en Lyon, (Francia).
En el siglo XX se recuperó la artesanía de la elaboración de vihuelas, así como el arte de tañerlas. Emilio Pujol editó el volumen sobre Narváez (1945) para las series de referencia Monumentos de la música española.
Un premio de composición otorgado en Granada lleva su nombre.



Luis de Milán

Luis de Milán (antes de 1500 - después de 1561), también conocido como Lluís del Milà, Lluís Milà, Luys Milán, Luis Milán o Luys de Milán, fue un compositor y vihuelista español del Renacimiento. Es conocido por ser el primer compositor que publicó música para vihuela y uno de los primeros en dar instrucciones para marcar el tempo en la música.

Su vida
Probablemente nació, murió y vivió la mayor parte de su vida en Valencia, aunque no contamos con noticias fidedignas de ello. Su familia era de origen aristocrático. Sus padres fueron Luys de Milán y Violante Eixarch.
Viajó a Portugal, donde estuvo en la corte de Juan III, a quién dedicó su libro El Maestro. Algunos indicios parecen indicar que también viajó a Italia. Sin embargo, el centro musical que acaparó las actividades musicales de Milán fue Valencia, principalmente en la corte virreinal de Fernando de Aragón, Duque de Calabria y Germana de Foix, donde estuvo hasta 1538.

Su obra
Milán publicó tres obras a lo largo de su vida, todas ellas en Valencia. De ellas sólo la segunda contiene música:
•Libro de Motes de damas y cavalleros, intitulado El juego de mandar , en 1535
•El Maestro
•El Cortesano, en 1561. Inspirado en la obra del mismo nombre de Baltasar de Castiglione. Aporta detalles valiosos sobre la vida cotidiana en la corte de Valencia y sobre la propia práctica musical de Milán.

Vihuela

Vihuela española

La vihuela es un instrumento de cuerda que fue muy popular en la Península Ibérica y en menor medida Italia durante el siglo XVI. En España, reemplazó al laúd, que era el instrumento más popular en el resto de Europa.

Descripción del instrumento
La vihuela es un instrumento cordófono de forma en 8, parecida a la guitarra actual, aunque la iconografía española, italiana, portuguesa e incluso japonesa, nos muestra vihuelas con escotaduras, del tipo violín. Su fondo es plano, abombado o abombado y acanalado como la vihuela del Museo de la Música de París. Cuenta con cinco, seis o siete órdenes (pares) de cuerdas que se cree se afinaban al unísono. Las cuerdas eran de tripa ya que las cuerdas entorchadas con metal no aparecieron hasta mediados del siglo XVII. Su tamaño era variable, las más pequeñas afinadas en La y Sol y las mayores en Fa Mi y Re. Generalmente es aceptado que la primera cuerda era simple, al igual que la "chanterelle" del laúd, si bien hay vihuelistas que usan todos los órdenes dobles.

Historia
La vihuela alcanzó su máximo esplendor en la Península Ibérica durante el siglo XVI, en un ambiente cortesano y bajo el amparo de las capillas musicales de reyes y nobles. Su ámbito no quedó reducido a la península, máxime teniendo en cuenta los continuos viajes de los reyes Carlos I de España y V de Alemania y Felipe II de España (y consecuentemente sus capillas musicales) por toda Europa. Si repasamos los inventarios de instrumentos musicales en las cortes españolas (Reyes Católicos, María de Hungría, Palacio Real), observaremos una evidente presencia del laúd, que en España era conocido como vihuela de Flandes, lo cual nos hace pensar en una convivencia de ambos instrumentos en las capillas españolas del siglo XVI.

Los mejores cantantes de Rock de la Historia

*Freddie Mercury: pudo ser un inigualable cantante de opera, pero eligió el camino del Rock. En sus comienzos con Queen incursionó en temas de Rock como Keep Yourself Alive y Liar. En el segundo disco de la Reina deslumbró con piezas musicales de antología, como Ogre Battle y Seven Seas of Rhye. Este último sigle, contó con un lado B que homenajea claramente a uno de sus cantantes preferidos. El tema en cuestión es See What A Fool I've Been, en el que se puede percibir todo el estilo del gran Robert Plant.
A lo largo de su carrera se mostró como un gran cantante del Rock en temas como Now I'm Here o en la velocidad de Stone Cold Crazy. Claro está que también se lució en baladas de la talla de Love of My Life o Save Me.
Sin embargo, la demostración de su talento sin límites está en ese genial tema que mezcla algo de gospel, con la potencia y sentimiento de la voz de Mercury. Claro, estamos hablando de Sombody to Love.
Como no podía ser de otra manera, en su obra cumbre, Bohemian Rhapsody, se da el gusto de mezclar el Rock con la Opera. Varios años más tarde podría explotar su amor por la Opera al grabar un disco junto a la soprano española Monserrat Caballé.


*Elvis Presley: cuenta la leyenda que se movía con el ritmo de los mejores exponentes de la raza negra y sacudía a todo el mundo con su voz. Elvis Aaron Presley fue el gran rey del Rock y un icono de una época que marco una antes y un después.
En sus comienzos brilló con algunos blues y especialmente el estilo rockabilly. Deslumbró como nunca antes se había visto con temas del calibre de Don't Be Cruel, Hound Dog y el clásico por excelencia Jailhouse Rock. También lució la dulzura de su voz en Love Me Tender, Always on my mind y Can't help falling in love.

*Robert Plant: ¿qué más se puede decir de un hombre que con su voz marcó un estilo que luego sería seguido por varias generaciones? Robert Anthony Plant conquistó al mundo junto a Led Zeppelin.
Su voz se destacó en clásicos del blues como Babe I'm Gonna Leave You, You Shook Me y I Can't Quit You Baby. Cantó algunos de los mejores temas del Rock de todos los tiempos: Black Dog y Rock and Roll. Su talentosa voz deleitó a todo el planeta con la melodía épica de Stairway To Heaven. Endulzó los oídos con Since I've Been Loving You y Thank You. Con esa joya llamada, Kashmir se acercó a la perfección y dejó su huella en ese olimpo del Rock.

*Lennon/McCartney: este ranking tiene una excepción y mirando a los nombres por la cual se está haciendo, es justo decir que vale la pena hacerla. Buscando al mejor cantante de Rock de todos los tiempos, encontramos a una dupla que es difícil separar del inconsciente colectivo, los motores creativos Beatles: John y Paul. Si buceamos en el repertorio Beatle, quizás el tema más cercanos a la crudeza del rock es Helter Skelter, firmado por la dupla, pero con todo el aroma McCartney. Un poco menos duros, pero bebiendo del manantial de los clásicos del rock, es bueno destacar las versiones que los fabulosos cuatro de Liverpool hicieron de los clásicos Please Mr. Postman, Roll Over Beethoven y Twist and Shout. Evidentemente con esta dupla y tan enorme banda podríamos extendernos largo rato, pero está claro que la calidad vocal de estos gigantes ha dado sobradas muestras de ser grandes de verdad.

*John Fogerty: una voz que es emblema y símbolo de una época y un estilo musical. Una cantante y compositor que marcó un camino. Muchos podrán intentar cantar parecido, pero cuando de los labios de Fogerty surgen temas como Fortunate Son o Bad Moon Rising, nos damos cuenta que estamos ante una leyenda.
La vida de Fogerty no fue sencilla, después de Creedence. Le prohibieron cantar sus propias canciones, en uno de los litigios más insólitos de la historia de la música, en el cual lo acusaron hasta de autoplagiarse. Por suerte, la música triunfó y este inolvidable cantante sigue firme en la ruta con la mejor música y la vigencia intacta.

*Roger Daltrey: una voz que le cantó a varias generaciones con una potencia única, desde una banda enorme e inolvidable: The Who. Justamente My Generation es un himno, como puede serlo Pinball Wizard, temas que afloran desde los labios de Daltrey como imborrables gemas del Rock. Sin embargo, desde esa misma boca también puede aparecer una balada tan hermosa como poderosa, llamada Behind Blue Eyes.

Los primeros compositores del Rock and Roll

-Chuk Berry: (Saint Louis, Misuri, 18 de octubre de 1926 - ) es un compositor, intérprete y guitarrista afro americano de rock and roll de los Estados Unidos.
En la década de los 60, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Nat King Cole, "Johnny B. Goode", y "Maybellene".
Ganó un Grammy en 1984. En 1989 publicó su autobiografía.

-Little Richard: nombre artístico de Richard Wayne Penniman, (Macon, Georgia 5 de diciembre de 1932) es un cantante, compositor y pianista afroamericano de rock and roll de los Estados Unidos.
Sus primeras grabaciones en los años 50 eran una mezcla de blues y rhythm and blues, con una fuerte influencia del gospel, pero con una habilidad tal que marcaron decididamente una nueva clase de música. De sí mismo ha dicho que se consideraba como el "arquitecto" del rock and roll, pero que el color de su piel le apartaron de la gloria acaparada entre otros por Elvis.

-Bill Haley: (William John Clifton Haley) (1925 - 1981) fue un músico estadounidense, uno de los pricipales originadores del movimiento musical denominado rock and roll.
Nació en Highland Park, un barrio de Detroit, el 6 de julio de 1925
Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo "Bill Haley and the Haley's Comets", evolucionando desde el country y el rockabilly, así como desde el rithm and blues, especialmente con Crazy Man Crazy (1954) y su gran éxito Rock Around The Clock (1955), una reinterpretación del clásico de Jimmy Myers y Max Freedman, y que ya había sido grabado en 1952 por Sunny Dae & His Nights.
En 1960 se presentó con su banda en el teatro FOLLIES, en el centro de la Ciudad de México, donde fue todo un éxito, después viajo en el interior de la república de México donde dio varios conciertos.
Grabó varios discos en español durante su estancia en México, incluso mediante estos discos, principio a promover el nuevo ritmo que finalmente desplazara al Rock & Roll, se trata del "Twist", este estilo musical entró fuerte en 1962, entre estos discos se encuentran La Paloma y el Florida Twist. El Twist, vino a marcar el fin de la era del "Rock & Roll" original e inalterado (1955 a 1961). En 1964 el grupo Británico de los Beatles (mas la gran Ola Inglesa que ellos fomentaron), vino a desplazar al Twist, o sea que el Twist reinó únicamente por dos años.
El gran mérito de Bill Haley y sus Cometas es que principiaron a tocar la música de rock como tres años antes que Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Paul Anka, Fats Domino, Buddy Holly, Chuck Berry, B. Didley, los Platters, etc. Resulta difícil determinar quien fue el "PADRE" o fundador del Rock & Roll, lo que si se puede asegurar, es que Bill Haley y su banda son unos de los auténticos fundadores del Rock & Roll. Después de Bill Haley, vinieron muchos reyes, reinas y príncipes y princesas del Rock, a algunos de ellos les quedó muy grande el título.
Murió en Texas el 9 de febrero de 1981

-Elvis Presley: (Tupelo, Mississippi, 8 de enero de 1935 aprox. a las 12:20pm - Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977), cantante de rock estadounidense considerado un icono de la música popular que inspiró a muchos cantantes, tanto dentro como fuera del género rock.
Considerado el Rey del Rock and Roll, también protagonizó numerosas películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. A menudo es llamado simplemente Elvis o El Rey.
A pesar de su muerte, Elvis sigue vendiendo discos, y actualmente ha superado la cifra de los 1.000 millones de discos vendidos.

Los instrumentos báscios del Rock and Roll

-Guitarra eléctrica: es una guitarra con uno o más transductores electromagnéticos, llamados pastillas (pickups, en idioma inglés), que convierten las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas capaces de ser amplificadas y procesadas.
-Batería: junto con el bajo, conforma la "base" rítmica de la música popular contemporánea, principalmente en el blues, el jazz, el funk y en el rock, principalmente en el heavy metal.
-Piano: es un instrumento musical clasificado como instrumento de teclado de cuerdas percutidas, según el sistema de clasificación usado. Está formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores.
-Contrabajo: es un instrumento musical de la familia de las cuerdas, de voluminoso tamaño. Tiene generalmente cuatro cuerdas, afinadas por cuartas ascendentes, (Mi-La-Re-Sol, desde la 4ª cuerda, más grave, a la 1ª, más aguda), aunque también los hay de cinco, en los que la quinta cuerda se afina en un Do o Si más grave que la cuarta cuerda.
-Saxo: es un instrumento cónico de la familia de los instrumentos de viento madera, generalmente hecho de latón y consta de una boquilla con una única caña al igual que el clarinete. Fue inventado por Adolphe Sax en 1846.
-Trompeta: es un instrumento musical de viento, fabricado en aleación de metal. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del interprete en la parte denominada boquilla. La trompeta comúnmente, está afinada en SI bemol, es decir, un tono por debajo de la escala real (también hay trompetas en FA, en DO, en LA y en MI bemol).