jueves, 11 de junio de 2009

The Rolling Stones

The Rolling Stones es una banda británica de rock que, junto a The Beatles, con los que siempre rivalizó en poA lo largo de su trayectoria han editado un total de 59 materiales discográficos (entre álbumes de estudio, compilaciones y discos en vivo), puesto 32 sencillos en los top-10 de Reino Unido y los Estados Unidos y vendido un estimado de entre 200 millones y 240 millones de discos alrededor del mundo. En 1989, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 puestos en el cuarto lugar por la revista estadounidense Rolling Stone en la lista de Los Inmortales: los 100 artistas más grandes de todos los tiempos. Son considerados una de las más grandes e influyentes bandas de la historia del rock junto a otras como Pink Floyd, Led Zeppelin, The Beatles, Queen o The Who. Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stones, a pesar de que algunos de sus contemporáneos de mediados de los 1960s - como Bob Dylan, Paul McCartney o Eric Clapton - todavía mantienen un puesto clave al frente de este género, la asociación formada por Jagger, Richards y Watts (únicos miembros fundadores en la banda) continúa siendo la más larga en la historia del rock.

1962: fundación
El guitarrista Keith Richards y el cantante Mick Jagger fueron compañeros de escuela primaria en la Wentworth Primary School del distrito de Dartford, condado de Kent, Inglaterra, después de que Richards se mudó perdieron contacto. No fue sino hasta 1960 cuando se reencontraron en una estación de metro de Londres, mientras Richards asistía al Sidcup Art College y Jagger a la London School of Economics. Richards quedó impresionado con la colección de LPs que Mick traía - Chuck Berry, Little Walter y Muddy Waters - y reiniciaron su amistad. Pronto descubrieron que tenía un amigo mutuo, el bajista Dick Taylor, y con él formaron el grupo aficionado Little Boy Blue and the Blue Boys. El grupo solía enviarle demos a Alexis Korner, que al escucharlos no tardó en incorporarlos a su grupo Blues Incorporated. Brian Jones llegó a la capital inglesa a inicios de 1961 y comenzó a asistir regularmente a las presentaciones de Blues Inc. en el Ealing Jazz Club. Jones quería formar una banda de R&B así que puso un anuncio en el semanario Jazz News al cual respondieron Geoff Bradford y el pianista Ian Stewart. Apoyados por Korner, este trío se presentó una noche a principios de 1962 en el Ealing, Jones bajo el nombre de "Elmo Lewis." Taylor, Jagger y Richards se encontraban entre el público y Keith quedó impresionado con él. Al final de la presentación Richards y Jagger subieron al escenario para hablar con ellos y les propusieron unirse a su grupo [Blues Inc.], a lo que accedieron. Jagger, Richards y Jones pasaron a vivir en el barrio de Edith Grove, donde pasaron diversas penurias por la falta de dinero aunque durante un tiempo Jagger ayudaba a la manutención del departamento por medio de la beca que la universidad le otorgaba.

Muddy Waters, un cantante estadounidense de blues, lanzó en 1950 "Rollin' Stone", canción que le dio nombre a la agrupación liderada por Brian Jones. La canción, una versión de Waters de "Catfish Blues" de Robert Petway, fue colocada por la revista estadounidense Rolling Stone en el puesto 459 dentro de su lista de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
En la primavera de 1962 Bradford abandonó a Blues Inc. y poco después el propio líder del grupo, Alexis Korner, también se desvinculó de la agrupación para empezar a trabajar en solitario como productor. Tiempo después adquieren los servicios de Tony Chapman (aunque algunos sostienen que era Mick Avory, futuro miembro de Kinks), y realizan su primera presentación como grupo el 12 de julio de 1962 en el Marquee Club de Londres. Esta formación no duró demasiado, Chapman los dejó al no poder compatibilizarlo con su trabajo (comerciante) al igual que Taylor tras una desastroza presentación en Watford, aunque después fundó Pretty Things. Cuando Taylor los abandonó Brian Jones le cambió el nombre a la agrupación por el de The Rolling Stones, después de que escuchara la canción "Rollin' Stone" del músico estadounidense de blues Muddy Waters. El nombre de la banda, que traducido literalmente sería algo así como «Los Cantos Rodados» o «Las Piedras Rodantes» y cuyo equivalente más próximo en castellano sería «Las balas perdidas», es una expresión que se usa coloquialmente en inglés para designar a personas descarriadas, desarraigadas o que no tienen un hogar fijo. Más adelante se incorporarían a la banda el bajista Bill Wyman, único elemento del grupo con una verdadera educación musical y que se rumoraba que fue aceptado sólo porque tenía un amplificador al que Richards y Jones podrían conectar sus guitarras, en reemplazo de Dick Taylor en diciembre de ese año y el baterista Charlie Watts, que gozaba de cierto reconocimiento en el jazz y que incluso ya había hecho giras por Europa aunque irónicamente se unió al grupo cuando él aborrecía el rock 'n' roll y el blues, reemplazando a Chapman en enero de 1963.

1963–1964: los más nuevos fabricantes de éxitos en Reino Unido

George Harrison recomendó a los Stones con Dick Rowe, que había rechazado anteriormente a The Beatles.
El empresario Giorgio Gomelsky reservó a la banda durante ocho meses para que tocara en el Crawdaddy Club y de esta forma el se conviertió en el "primer" manager de la banda. En este lugar comenzaron a ganar una gran base de fanáticos, entre los que se incluyeron su futura competencia, el cuarteto británico The Beatles. El cuarteto los recomendó con su publicista Andrew Loog Oldham, que lo firmó junto con amigo Eric Easton tras disfrutarlos en concierto en la localidad de Richmond, Oldham se convirtió en el primer representante oficial del grupo. Gromelsky, con el que no tenían ningún acuerdo por escrito con la banda, no fue consultado. Más adelante el beatle George Harrison persuadió a Dick Rowe de la Decca Records (quien anteriormente había rechazado a The Beatles) para que firmara a los Stones. Para el 28 de abril firman su primer contrato musical y el 10 de mayo iniciaron grabaciones en los estudios Olimpic de Londres. Oldham quitó a Stewart de la formación porque no lo veía como un teen Idol, les mencionó que serían más populares si no lo incluían, a pesar de ello Stewart se quedó como ayudante en las giras, tocando el piano en las presentaciones del grupo y grabando con ellos hasta su muerte. También le dijo a Richards que se quitara la "s" de su apellido para que sonara mejor: "Keith Richard", emparejandolo con el apellido de Cliff Richard, una estrella del pop británico de la época.
De sus primeras de sesiones de grabación salió el 7 de junio de 1963 su primer sencillo "Come On", original del estadounidense Chuck Berry, acompañado de "I Want to Be Loved" en la cara-B, escrita por Willie Dixon para el bluesman Muddy Waters. Éste alcanzó la posición 21 en el listado de éxitos del Reino Unido. Para promocionarlo emprendieron su primera gira nacional al lado de Bo Diddley, Little Richard y The Everly Brothers. Andrew Loog Oldham, pensando en la manera de impulsar la carrera de grupo le pidió a John Lennon y Paul McCartney de The Beatles que le compusieran una canción a los Stones, ellos accedieron y en cinco minutos les escribieron "I Wanna Be Your Man." Ésta fue grabada en septiembre y lanzada como segundo sencillo en noviembre junto con su primera composición original, "Stoned" (acreditada a Nanker Phelge), en la cara-B después de descartar "Fortune Teller", original de Benny Spellman. Con su segundo sencillo la banda entró hasta el top-ten británico y ganaron gran notoriedad, aunque comenzaron a llamar más la atención por su aspecto desaseado y su cabello largo más que por la música que interpretaban.
Su primer EP, The Rolling Stones, fue lanzado el 17 de enero de 1964 y estaba compuesto principalmente de actuaciones en directo. Un mes más tarde sale su sencillo "Not Fade Away", original de Buddy Holly, con "Little by Little" en el lado-B para Gran Bretaña y "I Wanna Be Your Man" para Estados Unidos, convirtiéndose en su primer gran éxito comercial en su país al llegar al puesto 3 de las listas de popularidad mientras que alcanzó el número 20 en las listas estadounidenses. El 17 de abril apareció su primer álbum de estudio The Rolling Stones, conocido como England's Newest Hitmakers en EE. UU., que estaba lleno de versiones como "Route 66" de Nat King Cole, "Mona" de Bo Diddley y "Carol" de Chuck Berry. Su primera placa se mantuvo en el puesto #1 de las listas británicas durante doce semanas y llegó al lugar #11 en Norteamérica. Al acabar la producción fueron animados por Oldham para emprender una gira por Europa - con cuatro presentaciones en Inglaterrra acompañados por el The Ronettes y una en los Países Bajos- y los Estados Unidos, la que era su primera visita al nuevo continente. A medida que su popularidad crecía también crecía la polémica que desataron en la sociedad inglesa de ese tiempo a causa del aspecto de "desaliñados" que tenían y la "manera obscena" en la que interpretaban sus canciones, por esos días iniciaron también las comparaciones y rivalidades con los chicos de Liverpool. Toda esta situación se debió a la imagen de vándalos que les dio su manager para dar "una imagen totalmente opuesta a la que los Beatles estaban dando en aquella época" y así ser su competencia directa. A pesar de toda esta polémica desatada, en septiempre son nombrados "Banda del Año" por la revista inglesa Melody Maker, y su sencillo "Not Fade Away" como "Canción del Año."
Emprenden su primera gira por los Estados Unidos en junio de 1964, siguiendo el ejemplo de The Beatles que hacía unos meses atrás habían sido un éxito en aquel país. Tuvieron apariciones en los mejores programas de variedades de la época como el de Dean Martin, The Hollywood Palace, en el cual su nombre y aspecto fue motivo de mofa por parte del presentador. Aún cuando se presentaron en estos programas la gira no tuvo el impacto deseado, en palabras del bajista Bil Wyman: "Tocamos en estadios para diez mil personas y sólo había 300." A pesar de ello, se dieron tiempo para grabar su siguiente EP en junio en los estudios de la Chess Records de Chicago y los RCA Records de Los Ángeles. Durante su estancia en Norteamérica editaron "Tell Me (You're Coming Back)" sólo para ese país, acompañado de su versión de "I Just Wanna Make Love to You" de Willie Dixon como lado-B, alcanzando el puesto 24 del Billboard Hot 100. A finales de mes sale en Gran Bretaña "It's All Over Now", liberado a sugerencia de Murray the K, entró rapidamente a las listas de popularidad y les otorgó su primer éxito número uno en su país, en Norteamérica se colocó en el lugar 26 de las listas.
Five By Five, EP grabado durante su gira, se lanzó el 14 de agosto sólo en Reino Unido alcanzando el tope de las listas de los EPs más vendidos. En contraste para el mercado estadounidense se puso a la venta el 17 de octubre el disco 12 x 5, que contenía las mismas cinco canciones del Five By Five además de otras siete, este llegó a colocarse en el puesto número tres del Billboard 200 y se hizo acreedor a disco de oro en Norteamérica. El 25 de octubre se presentaron en The Ed Sullivan Show con motivo de su gira norteamericana, al día siguiente Sullivan recibió cientos de cartas de padres exigiendo que el grupo no se volviera a presentar nunca en el programa, él prometió que jamás los invitaría de nuevo, cosa que no cumplió y a pesar del incidente se presentaron en reitaradas ocasiones. El 13 de noviembre ponen a circular "Little Red Rooster", escrita por Dixon y popularizada por Howlin' Wolf hacía un par de años atrás, en ambos países y para diciembre vuelven a alcanzar el tope de las listas británicas por segunda ocasión consecutiva, en contraste esta fue boicoteada por las radiodifusoras estadounidenses por su contenido explicitamente sexual. Como su último corte del año lanzan "Heart of Stone" el 19 de diciembre, grabado en los estudios de la RCA, que tuvo buena aceptación por parte de los radioescuchas estadounidenses ubicándola en la 19a canción más escuchada.

1965-1968: éxito mundial de sus satánicas majestades
Su segundo material The Rolling Stones No.2, salió a la venta el 15 de enero (13 de febrero como The Rolling Stones, Now! en los Estados Unidos) de 1965 luego de ser grabado esporádicamente entre enero y noviembre del pasado año. Contenía principalmente versiones y algunas composiciones de Jagger y Richards, destacan tres temas en directo extraídos de su concierto en Benavente. Alzanzó los primeros lugares de ventas en ambos continentes, llevándose un disco de oro en América. "The Last Time" acompañó a la producción, con el que alcanzaron un puesto número uno nuevamente en el UK Singles Chart y el noveno en Norteamérica. "Play with Fire", que figuró como el lado-B de "The Last Time", también entró en las listas de popularidad del Billboard pero ocupando un discreto lugar 96. Para mediados de año ponen en circulación un nuevo corte promocional para su anunciada próxima producción discográfica: "(I Can't Get No) Satisfaction." Éste se convirtió en un éxito inmediato alcanzando los primeros puestos de las listas de toda Europa y el tope en el Billboard Hot 100 (encabezando la lista por cuatro semanas consecutivas), que significó su primer número uno en los Estados Unidos. El sencillo se convirtió en su primer número uno a nivel global, llevándolos al superestrellato y estableciéndolos como una de las agrupaciones más populares del momento. Al final del año acabó siendo una de las canciones más escuchadas y se acreditó disco de oro por sus ventas de sencillos, hasta la fecha es el sencillo más exitoso de The Rolling Stones con ventas superiores a los dos millones de copias sólo en los Estados Unidos, y más de cinco millones alrededor del mundo.
El 11 de junio ponen fin a su lanzamiento de EPs con la salida de Got Live If You Want It!, de igual forma es la primera producción en vivo de la banda, que atestigua sus presentaciones en Manchester y Liverpool en marzo de ese año. Con el presente volvieron a anotarse otro número uno y, aunque no fue lanzada para EE. UU., algunas de las canciones fueron incluidas en sus dos posteriores producciones americanas. El 11 de julio ponen a la venta en Norteamérica (24 de septiembre en Gran Bretaña) Out of Our Heads, producto de las grabaciones en los estudios RCA a principios de año. En éste aparecieron varias composiciones de la autoría de Jagger y Richards, lo que significó un avance al probarse a ellos mismos que eran capaces de escribir sus propias canciones, aunque mantenían su base R&B/blues. La versión americana, que incluyó a "Satisfaction," ocupó el primer lugar entre los más vendidos de América, en su país fue relegado a la segunda posición, y les valió su primer disco de platino. Para el 25 de septiembre salió "Get Off of My Cloud" con el que volvieron a la cima de las listas de popularidad de todo el mundo, obteniendo por segunda vez consecutiva otro número uno a nivel internacional. Se lanzó para promocionar December's Children, sólo disponible en Estados Unidos, que llegó al puesto 4 de ventas y ganó disco de oro. A propuesta de Loog Oldham, Jagger y Richards se convirtieron a partir de entonces en los compositores del grupo, de este modo Out of Our Heads y December's Children fueron los últimos álbumes en los que predominarían las versiones de otros artistas. A finales de octubre emprenden su cuarta gira por Norteamérica y Canadá, que concluye hasta principios de diciembre, terminada vuelven a los estudios de la RCA de Hollywood para grabar su nuevo Lp. El 18 de noviembre ponen a la venta en América un último promocional, "As Tears Go By", con "Gotta Get Away" en la cara-B, este llegó al número 6 en las listas del Billboard. La primera es una canción original de Jagger y Richards pero lanzada primeramente por Marianne Faithfull en junio de 1964.
El 4 de febrero de 1966 sale "19th Nervous Breakdown" con "As Tears Go By" y "Sad Day" como lado-B en Reino Unido y Estados Unidos respectivamente. En ambos países se colocó en el segundo lugar de los charts, más logró permanecer en el #1 de la New Musical Express durante tres semanas consecutivas. Con la salida al mercado de "Paint It Black" en mayo consiguieron su tercer hit número uno a nivel nivel mundial, que sirvió de promoción para Aftermath, lanzado el 15 de abril en la Gran Bretaña (la edición en América fue el 20 de junio). Al igual que en sus materiales anteriores, había varias diferencias entre las dos versiones, principalmente en la exclusión en la versión inglesa de "Paint It Black." Este marcó el inicio de la sociedad Jagger-Richards como los principales compositores de los Stones y el liderazgo de la banda por parte de Jones pasó ahora a manos de esta pareja de compositores debido su constante aislamiento. Pese a estar entre los primeros lugares de ventas y recibir disco de platino, su impacto fue minimizado por el lanzamiento simultáneo del Revolver de The Beatles y del Blonde on Blonde de Bob Dylan. Con la conclusión del disco realizaron su quinta gira norteamericana a mediados de año, durante la misma más de catorce hoteles le negaron la estancia a los stones, sólo dándole aún más publicidad a la banda.
Mientras estaban de gira se lanzó "Mother's Little Helper", la letra causó gran polémica en Inglaterra por el mordiente retrato que se muestra de la familia inglesa llevándolos a recibir insultos de un diputado de la Cámara de los Comunes. Al otro lado del Atlántico la canción se estableció en el puesto 8 del Billboard Hot 100. El 23 de septiembre emprenden una gira por toda Inglaterra con Ike & Tina Turner y The Yardbirds. Al inicio de ésta lanzan "Have You Seen Your Mother, Baby, Standing in the Shadow?", que entró al top-5 de su país, al 9 de la Unión Americana y se posicionó en la mayoría de los top-ten de toda Europa dándole otro buen reconocimiento a la banda al haber superando lo realizado con "Mother's Little Helper", pero no igualando a "Paint It Black." Fue incluída en su primer álbum compilatorio Big Hits (High Tide and Green Grass), que recibió dos discos de platino en Estados Unidos. Para noviembre comienzan a grabar en los estudios Olympic de Londres lo que será su nuevo material de estudio.
El 20 de enero de 1967 editan Between the Buttons. Su versión americana incluía el sencillo doble "Let's Spend The Night Together"/"Ruby Tuesday", lanzado al mismo tiempo que Between con gran éxito pese a que la primera fue censurada durante sus presentaciones en televisión alegando que la letra habla de manera demasiado explícita de las relaciones sexuales. En Ed Sullivan Show el presentador hizo a Jagger mascullar el coro de "Let's Spend The Night Together" para evitar problemas con el público. A principios de febrero el periódico británico The News of the World acusó a Mick Jagger de consumir LSD, una semana más tarde Jagger y Richards fueron arrestados y encarcelados por posesión de drogas. El incidente marcó el principio de una serie de encuentros delictivos de ambos músicos con la policía, relacionados todos ellos con las drogas. En mayo, antes de la sesión de ensayo, el guitarrista Brian Jones fue arrestado por posesión de cocaína y de metanfetaminas, el músico se libró de los cargos con sólo una multa y salió bajo libertad condicional, además fue obligado a asistir a terapias para solucionar su adicción. Between the Buttons marcó el final de la relación Rolling Stones-Oldham, tanto como productor, como de manager. En una entrevista hecha por la Rolling Stone en 2003, Jagger habló sobre la salida de Oldham, y dijo que la razón por la que él los dejó fue porque "no se concentraban en la música y se 'comportaban como niños'", aunque en la biografía de Oldham menciona más bien "problemas monetarios." En junio Mick Jagger es sentenciado a tres meses de prisión mientras que Keith Richards a un año, aunque con las constantes protestas de sus fanáticos que pedían su liberación el Tribunal de Apelación de la Corte Suprema de Londres anuló las condenas a ambos y los puso en libertad el 31 de julio. La banda lanzó una nueva canción en agosto, "We Love You", oficialmente a motivo de agradecimiento para sus fans por su lealtad mostrada durante su periodo en prisión, aunque también fue visto como un ataque hacia el periódico The News of the World, la policía y algunos miembros de la judicatura británica. La grabación contó con la colaboración vocal de John Lennon y Paul McCartney de The Beatles.
Durante la mayor parte del año trabajaron en un nuevo álbum de estudio, en esta producción la banda pretendió incursionar en el rock psicodélico y con ello Jagger vio una oportunidad de contrarrestar el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles había lanzado a mediados del mismo año. El disco llegó a las disquerías a principios de diciembre con el nombre de Their Satanic Majesties Request, este se presentó en una época difícil para la banda cuando varios de sus miembros atravesaban problemas con la ley y por la reciente partida de Loog Oldham, lo que puede ser apreciado en el sencillo "In Another Land" que fue escrita, compuesta e interpretada por el bajista Bill Wyman ante la ausencia de Jagger y Richards. El disco no resultó muy productivo, no vendió tanto como sus anteriores grabaciones, y les trajo problemas con el público y la crítica porque no representaba el verdadero sonido de la banda. La portada se parecía bastante al de su competidor Sgt. Pepper, lo que les acarreó aún muchos más problemas, fueron acusados, incluyendo por Lennon y McCartney, de intentar copiar a sus rivales de Liverpool. Además, las primeras 25.000 copias tenían un holograma, lo que aumentó aun más el precio del álbum y dificultó su venta. Tiempo después el disco fue olvidado por la banda y considerado como el fracaso más grande en la carrera de The Rolling Stones. En los últimos días de año lanzan como último corte de este disco "She's a Rainbow que tuvo cierto éxito comercial logrando colarse entre las cuarenta canciones más populares.

1968–1972: la banda de rock and roll más grande del mundo
Desilusionados por el fracaso de su disco anterior, las relaciones entre los Stones se deterioraban cada vez más, especialmente entre Jones y Richards. A principios de 1968 comenzaron a compilar canciones para su siguiente material discográfico y tiempo después presentaron a Allen Klein como su nuevo manager. Klein era el contador de la banda, pero cuando Loog Oldham los dejó, se volvió su manager a manera de agradecimiento tras haberles conseguido con su disquera, Decca Records, grandes adelantos monetarios y un porcentaje de ventas superior al que disfrutaban anteriormente. Bajo la presión de superar el paso en falso del disco anterior Jagger recurrió a los servicios del productor Jimmy Miller, que dotaría a la banda del sonido característico de sus siguientes producciones, colaborando con ellos hasta 1973. De estas sesiones salió su nuevo sencillo "Jumpin' Jack Flash" que ocupó el primer lugar de las listas inglesas, primer #1 en dos años en ese país, y llegó al tercer lugar en EE.UU., pese a su gran éxito, esta pista no fue incluida en el disco porque la banda quería crear un ambiente de expectación para su próximo material.
La banda confirma la salida de un nuevo disco en julio y planeó su venta para el 26 de julio, a manera de celebración por el cumpleaños de Jagger, pero fue postergado por su sello discográfico debido al polémico arte del disco. Luego de meses de negociación la agrupación llegó a un acuerdo con Decca y accedieron a sustituir la portada original por otra completamente blanca con tan solo el nombre del álbum impreso con letras doradas, lo que al principio generó críticas al compararlo con la portada minimalista de The White Album de The Beatles que se había lanzado por esas fechas. Su nueva producción con raíces en el blues y R&B, más con algunas canciones con origenes en la música country, salió en los primeros días de diciembre bajo el título de Beggars Banquet. Beggars fue muy aclamado por la crítica musical y con él iniciaría a una serie de cuatro álbumes de estudio que habitualmente se consideran la "cima de la obra de los Stones." De igual forma tuvo una considerable repercusión comercial al alcanzar los primeros puestos entre las listas de popularidad (RU #3 y EE. UU. #5), sin embargo su primer sencillo "Street Fighting Man" le fue impedida su reproducción radiofónica y poco después también su venta debido a la portada del corte, que tenía una fotografía de unos agentes de la policía golpeando a manifestantes, y al contenido de la letra cuyas autoridades americanas consideraron "desestabilizadora" en vísperas de la Convención Nacional Demócrata de 1968 por lo que sólo alcanzó lugares discretos entre los sencillos más populares en la Unión Americana, aunque en Inglaterra no tuvo problemas. El disco incluía también "Sympathy for the Devil", que pese a no ser editada como sencillo, su letra, en la que expone al Diablo como un miembro más de la humanidad, les propició más problemas al ser acusados de adoradores de Satanás.
Entre el 11 y el 12 de diciembre de ese año se grabó en el recinto Roundhouse de Londres un especial hecho por sus majestades satánicas para la televisión británica, The Rolling Stones Rock and Roll Circus, más nunca se emitió como tal. Creado por idea de Mick Jagger y Keith Richards, el programa se produjo como un espectáculo circense que tuvo atracciones de artistas de circo además de contar con las actuaciones de algunos artistas famosos de ese tiempo: Jethro Tull, The Who, John Lennon, Yoko Ono, Eric Clapton, Taj Mahal, Marianne Faithfull y los propios Stones. Una de las actuaciones destacadas fue la de The Dirty Mac - un supergrupo integrado por John Lennon y Eric Clapton en las guitarras, Keith Richards en el bajo y Mitch Mitchell en la batería - que interpretó "Yer Blues" de The Beatles. The Rolling Stones Rock and Roll Circus fue emitido en cines en 1996, después de estar casi 30 años guardado en un granero de Inglaterra

Tom Waits

Thomas Alan Waits (nacido en Pomona, California el 7 de diciembre de 1949) es un pianista, cantante, compositor y actor estadounidense, famoso por sus canciones de tono áspero, inspiradas en escritores como Charles Bukowski y otros de la generación Beat, en especial Jack Kerouac.

Biografía
En 1967 comenzó a trabajar en los cabarés de Los Ángeles, ambiente que le influyó mucho para las canciones de su primer disco, Closing Time (1973), aunque este álbum se vio eclipsado por The Eagles y Tim Buckley, pero fue con el álbum Heart of Saturday Night (1974) el que dio a conocer su personal estilo. Más tarde en 1975 con el disco en directo Nighthawks at the Diner combina canciones muy personales (entre ellas Better off without a wife) con entretenidos monólogos introductorios.
Tras Small Change (1976), sus siguientes discos no consiguieron situarse en las listas de éxitos. En esos años interpretó pequeños papeles en películas como La cocina del infierno (1978, de Sylvester Stallone) o Corazonada (1981, de Francis Ford Coppola), para la que también compuso la música.
Volvió a las listas de ventas en la década de 1980 con Swordfishtrombones (1983), Rain Dogs (1985) y Frank’s Wild Years (1987), discos en los que confluyeron una gran variedad de estilos desde el blues hasta el tango, que dieron a sus canciones una atmósfera especial que le aseguró el éxito de ventas y la aceptación del gran público. También participó en películas como Bajo el peso de la ley (1986, de Jim Jarmusch), Drácula (1992, de Coppola) y Vidas cruzadas (1993, de Robert Altman) con papeles de más importancia que en sus anteriores incursiones en el cine. Asimismo, compuso la música de la película Noche en la Tierra (1991, de Jim Jarmusch) y al año siguiente, graba Bone Machine (1992). Un año más tarde colaboró con William S. Burroughs en la ópera cómica de carácter siniestro The Black Rider. El 2002 fue un año especialmente prolífico con la publicación de dos discos: Alice y Blood Money.
Más recientemente, en octubre de 2004, publicaría Real Gone uno de los discos más representativos hasta la fecha de esa particular mezcolanza caracaterística de Tom Waits. Y el último trabajo de Waits, un triple álbum, se publica en 2006 con el nombre de Orphans.
Aparece junto a Iggy Pop en la película de Jim Jarmusch Coffee and Cigarettes (2003)
En 2005 aparece cantando en el sueño de Atilio que da pie a toda la película El tigre y la nieve.
El 12 de julio de 2008 actúa por primera vez en España, concretamente en el Kursaal de San Sebastián.

Discografía
•1973 Closing Time
•1974 The Heart Of Saturday Night
•1975 Nighthawks At The Diner
•1976 Small Change
•1977 Foreign Affairs
•1978 Blue Valentine
•1980 Heartattack and Vine
•1982 One From The Heart
•1983 Swordfishtrombones
•1985 Rain Dogs
•1986 Asylum years
•1987 Frank’s Wild Years
•1988 Big Time
•1992 Bone Machine
•1992 Night On Earth
•1993 The Black Rider
•1998 Beautiful Maladies
•1999 Mule Variations
•2001 Used Songs
•2002 Alice
•2002 Blood Money
•2004 Real Gone

Bruce Springsteen

Bruce Frederick Joseph Springsteen (Long Branch, Nueva Jersey, 23 de septiembre de 1949),< y otros trabajos orientados hacia el folk, así como el llamado heartland rock. Gran parte de su éxito deriva de su vinculación a la E Street Band, presente en una gran parte de sus grabaciones, y especialmente relevante por su particular sonido y su profesionalidad en el escenario, llegando a ofrecer conciertos de más de tres horas de duración.
En su extensa trayectoria musical, Bruce Springsteen ha sido galardonado con numerosos premios, incluyendo diecinueve premios Grammy, dos Globos de Oro y un Premio de la Academia. Ha vendido 65 millones de álbumes en Estados Unidos y 120 a nivel mundial.
Biografía
Bruce Frederick Joseph Springsteen Zirilli nació en Long Branch, Nueva Jersey, el 23 de septiembre de 1949 y pasó su infancia y sus años escolares en Freehold Borough, Nueva Jersey. Su padre, Douglas Frederick Springsteen, fue un conductor de autobús de ascendencia germana e irlandesa. Su madre, Adele Ann Zerilli, era una secretaria con antepasados italianos.
Educado en un ambiente católico, Springsteen asistió a la escuela parroquial de St. Rose of Lima en Frehold Borough, donde su temprano temperamento chocó tanto con la estricta moral del colegio como con otros estudiantes. En el noveno curso, se trasladó a la escuela regional secundaria pública de Freehold, donde su disconformidad, a pesar de finalizar los estudios, se haría patente a lo largo de los últimos años, llegando incluso a evitar su propia ceremonia de graduación. Durante pocos meses, acudió al Ocean County College, aunque finalmente lo abandonó.
La inspiración para dedicarse a la música le vino cuando vio actuar a Elvis Presley en el programa televisivo The Ed Sullivan Show. A la edad de 13 años, compró su primera guitarra por 18 dólares, y a los 16 su madre consiguió un préstamo para comprarle una guitarra Kent que costaba 60 dólares, evento que rememoraría años más tarde en su canción "The Wish". En 1965, se convirtió en guitarrista del grupo The Castiles, en el que posteriormente asumiría también el papel de vocalista principal. The Castiles grabó dos canciones en un estudio de grabación público en Brick Township, Nueva Jersey, y llevó a cabo varios conciertos, incluyendo el local Cafe Wha? de Greenwich Village.
A finales de los años 60, Springsteen participó brevemente en un trío musical conocido como Earth, tocando en clubes de Nueva Jersey. Durante este periodo, Springsteen adquirió el sobrenombre de "The Boss" debido a su trabajo a la hora de percibir el pago en los conciertos y de distribuirlo entre sus compañeros. Entre 1969 y 1971, Springsteen llevó a cabo conciertos en el entorno de Nueva Jersey acompañado del guitarrista Steve Van Zandt, el organista Danny Federici, el batería Vini López y el bajista Vinnie Roslin en una banda conocida como Child, aunque posteriormente renombrada como Steel Mill (con la adición del guitarrista Robbin Thompson). En enero de 1970, el crítico musical del San Francisco Examiner Philip Eldwood dio cobertura mediática a Springsteen y a su banda Steel Mill, escribiendo: "Nunca he estado tan abrumado por un talento totalmente desconocido". Elwood alabó su "musicalidad cohesionada" y, en particular, señaló a Springsteen como un "compositor muy impresionante".
Durante este periodo de tiempo, Springsteen también ofreció conciertos en clubes de Asbury Park, adquiriendo progresivamente un séquito de culto. Con la adición del pianista David Sancious, el núcleo de lo que más tarde se convertiría en la E Street Band ya estaba formado, con ocasionales aportes de una sección de vientos, un grupo vocal femenino conocido como The Zoometes y Southside Johnny Lyon en la armónica. Por otra parte, su prolífica capacidad de escribir canciones sirvió para llamar la atención de varias personas que llegarían a cambiar su vida en adelante: Mike Appel y Jim Cretecos, sus posteriores representantes, y el productor de Columbia Records John H. Hammond, quien, bajo presión de Appel, llamó a Springsteen para una audición en mayo de 1972.

1972-1974: Contrato con Columbia Records y primeros álbumes
Springsteen firmó un contrato discográfico con Columbia Records en 1972 gracias a la ayuda de John H. Hammond, quien había contratado a Bob Dylan para el mismo sello una década antes. Su álbum debut, Greetings from Asbury Park, N.., publicado en enero de 1973, estableció a Springsteen como un favorito de la crítica musical, a pesar de que las ventas fueron escasas. Debido a su influencia lírica y a la música orientada hacia el folk rock en temas como "Blinded by the Light" y "For You", la crítica comenzó a comparar a Springsteen con Bob Dylan. Al respecto, el editor de la revista Crawdaddy, Peter Knobler, escribió en marzo de 1973: "Él [en referencia a Bruce] canta con una frescura y una urgencia que no escuchaba desde que fui noqueado por "Like a Rolling Stone"". Por su parte, Lester Bangs escribió en Creem en 1975 que cuando Springsteen había publicado su primer álbum, "muchos de nosotros le desestimamos: escribía como Bob Dylan y Van Morrison, cantaba como Van Morrison y Robbie Robertson, y lideraba una banda que sonaba como la de Van Morrison". El tema "Spirit in the Night" mostraba especialmente la influencia de Morrison en Springsteen, mientras que "Lost in the Flood" supuso el primero de los numerosos retratos de los veteranos de Vietnam.
En septiembre de 1973, su segundo álbum, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, fue publicado y elogiado nuevamente por la crítica musical, aunque su recibimiento comercial fue tibio. Las canciones de Springsteen comenzaron a adaptarse en forma y alcance, con la E Street Band proveyendo un sonido más cercano al R&B en detrimento del folk.
El 22 de mayo de 1974, el crítico musical Jon Landau escribió en The Real Paper tras ver a Springsteen en un concierto en el Harvard Square Theater: "Vi el futuro del [[rock and roll, y su nombre es Bruce Springsteen. Y en una noche en la que necesité sentirme joven, él me hizo sentir como si escuchara música por primera vez". Landau se convertiría en el representante y productor musical de Springsteen, ayudándole a finalizar su nuevo trabajo, Born to Run. A pesar de contar con un elevado presupuesto a gastar con el objetivo de crear un álbum comercialmente viable, Springsteen comenzó a estancarse en el proceso de grabación. Su grabación fue desarrollada en 14 meses, seis de los cuales fueron dedicados a la canción "Born to Run". Durante este tiempo, Springsteen se sintió frustrado, llegando a decir que escuchaba "sonidos en su cabeza" que no era capaz de explicar al resto de músicos en el estudio. Su principal ayuda fue Steve Van Zandt, quien ayudó a Bruce a organizar el sonido, especialmente en la sección de vientos en "Tenth Avenue Freeze-Out", siendo finalmente añadido al elenco de la E Street Band.

1975-1981: Born to Run y el éxito
El 13 de agosto de 1975, Springsteen y la E Street Band dieron comienzo a diez conciertos en cinco noches en el club Bottom Line de Nueva York. Los conciertos atrajeron a los medios de comunicación, siendo retransmitidos por WNEW-FM y sirviendo a muchos escépticos como prueba de las críticas musicales favorables. (Décadas después, la revista musical Rolling Stone definió los conciertos como uno de los 50 momentos que cambiaron el rock and roll. ) Con la publicación de Born to Run el 25 de agosto de 1975, Springsteen obtuvo finalmente éxito. A pesar de no producir sencillos de especial éxito, las canciones "Born to Run", "Thunder Road", "Tenth Avenue Freeze-Out" y "Jungleland" fueron promocionadas de forma masiva en cadenas de radio norteamericanas. Con sus imágenes panorámicas y su optimismo lírico, buena parte de sus seguidores consideran Born to Run uno de los mejores trabajos de Springsteen con la E-Street Band. Para capitalizar el triunfo, Springsteen apareció en la portada de las revistas Tine y Newsweek en la misma semana, el 27 de octubre.
Una batalla legal con su anterior representante, Mike Appel, mantuvo a Springsteen alejado del estudio de grabación durante dos años, momento que aprovechó para embarcarse junto a la E Street Band en una extensa gira por Estados Unidos como promoción de Born to Run. A pesar de su optimismo, las nuevas canciones que comenzó a componer y a estrenar ocasionalmente en directo tomaron una dirección más sombría. Superado el litigio con Appel en 1977, quien renunció a la posesión de los derechos de las canciones de Springsteen y a su labor como representante a cambio de una compensación económica, Springsteen volvió nuevamente al estudio, en el que las sesiones de grabación dieron como resultado Darkness on the Edge of Town. Musicalmente, el álbum supone un punto de inflexión en la carrera de Springsteen, dando cabida a canciones más ligeras y mejor preparadas en las que se reflejaba la creciente toma de conciencia política y moral de Springsteen y en las que el músico describía historias de lucha y supervivencia protagonizadas por individuos que vivían al margen del sueño americano.

Springsteen en concierto en la gira de promoción de The River en Drammen, Noruega, el 5 de mayo de 1981.
A finales de los 70, Springsteen había ganado la suficiente reputación como compositor para brindar canciones a otros grupos. En este sentido, Manfred Mann's Earth Band alcanzó el número 1 en las listas estadounidensas con una versión de "Blinded by the Light". Por su parte, Patti Smith alcanzó el puesto 13 con una versión de la canción inédita "Because the Night", mientras que The Pointer Sisters lograron un éxito con la también inédita "Fire".
En septiembre de 1979, Springsteen y la E Street Band se unieron al colectivo anti-nuclear Músicos Unidos por la Energía Limpia en dos conciertos ofrecidos en el Madison Square Garden de Nueva York.
Springsteen continuó consolidando la vida obrera como temática de sus canciones con el doble álbum The River en 1980, que finalmente le otorgó su primer sencillo de éxito, "Hungry Heart". Las ventas del álbum fueron notables y su publicación fue seguida de una gira de promoción que llevó a Springsteen a Europa por primera vez.

1982-1989: Retorno a las raíces del folk y reconocimiento internacional
Cuando se esperaba una continuidad en su música, Springsteen publicó Nebraska en 1982, un disco intimista, acústico y grabado por el propio Springsteen con una máquina de ocho pistas en un cuarto de su casa y donde nuevamente el lado más amargo de la América profunda salía a relucir en una obra de fuerte denuncia social. Según la biografía de Dave Marsh, Springsteen atravesaba durante la época un estado de depresión que incidió en el resultado del álbum. En este sentido, Nebraska fue iniciado como un álbum de demos que serían posteriormente interpretados por la E Street Band; sin embargo, durante el proceso de grabación, Springsteen y el productor Landau observaron que las canciones funcionaban mejor en formato acústico.
Aplaudido por la crítica (fue nombrado álbum del año por los críticos de la revista musical Rolling Stone) pero con ventas más discretas que su anterior trabajo debido a su escasa vocación comercial, Nebraska se ha convertido con los años en pieza de referencia para otros artistas, incluyendo a U2 durante la grabación de The Joshua Tree, y en una obra de culto entre sus seguidores más acérrimos.
A mediados de los años ochenta, Bruce Springsteen alcanzó el estatus de estrella internacional y de ídolo de la cultura popular de Estados Unidos gracias a su disco Born in the U.S.A. de 1984, que vendió más de 15 millones de copias en todo el mundo. La canción que da título al álbum supuso un amargo comentario sobre el trato al que eran sometidos los veteranos de Vietnam, algunos de los cuales compartían amistad con Springsteen; sin embargo, la canción fue interpretada de forma errónea y usada en la campaña presidencial de 1984. Por otra parte, "Dancing in the Dark" obtuvo un gran éxito como sencillo, alcanzando el puesto 2 en la lista de singles de Billboard, mientras que "Cover Me", inicialmente compuesta para Donna Summer, fue incluida en el álbum a petición del propio sello discográfico. En sustitución de "Cover Me", y debido a la afición de Springsteen por la música de Summer, compuso para la artista la canción "Protection".
Durante la gira de promoción de Born in the U.S.A., Springsteen conoció a la actriz Julianne Philips, con quien contrajo matrimonio en Lake Oswego, Oregón, el 13 de mayo de 1985. Aun así, la pareja se divorció en 1988, lo cual sirvió como temática para algunas canciones del álbum de 1987 Tunnel of Love.

Springsteen durante la gira Tunnel of Love Express en el Radrennbahn Weißensee de Berlín el 19 de julio de 1988.
La etapa posterior a la publicación de Born in the U.S.A. representó uno de los periodos de máxima popularidad de Springsteen, en los que alcanzó su máxima visibilidad en la cultura popular americana. En este contexto, Live/1975-85, una caja de cinco discos (posteriormente reducida a tres discos compactos), fue publicado a finales de 1986, con un éxito sin precedentes al vender 13 millones de copias en los Estados Unidos y convertirse en el primer box set en debutar en el primer puesto en la lista Billboard 200. Live/1975-85 resume la trayectoria musical de Springsteen hasta esa fecha y muestra algunos de los elementos más atractivos y poderosos para sus seguidores, como las largas introducciones habladas de las canciones o la destreza instrumental de la E Street Band.
Tras su pico comercial, Springsteen publicó Tunnel of Love, un álbum más contemplativo en el que el músico se muestra interesado en explorar los recovecos de las relaciones de pareja y los miedos y carencias personales, y en el que por primera vez prescinde de a E Street Band, llamando esporádicamente a algunos componentes del grupo para que participasen individualmente en las canciones. La subsecuente gira de promoción de Tunnel of Love aportó modificaciones a los habituales conciertos de Springsteen, con cambios en el diseño, ausencia de algunos temas clásicos y arreglos basados en una sección de vientos. Durante la fase europea de la gira, en 1988, la relación de Springsteen con la corista de la E Street Band Patti Scialfa se hizo pública. A finales de 1988, Springsteen encabezó la gira Human Rights Now! de Amnistía Internacional. En el otoño de 1989, Springsteen disolvió la E Street Band y se trasladó con Scialfa a California.

1990-2000: Sin la E-Street Band
En 1991, Springsteen contrajo matrimonio con Scialfa, con quien tuvo tres hijos: Evan James (nacido en 1990), Jessica Rae (en 1991) y Sam Ryan (en 1994). En un intento por reflejar la estabilidad y la felicidad alcanzada con su nuevo matrimonio y su reciente paternidad, y acompañado por músicos de sesión, Springsteen publicó dos álbumes conjuntos: Human Touch y Lucky Town. Ambos fueron criticados por los seguidores del estilo de la E Street Band, confabulándose para ignorar la gira de promoción llevada a cabo a continuación por Springsteen con la bautizada como The "Other" Band. Por otra parte, para otros seguidores que habían conocido a Springsteen tras la consolidación en 1975 de la E Street Band, la nueva gira suponía una oportunidad para ver el desarrollo de Springsteen con una nueva formación. Una aparición en el programa de televisión MTV Unplugged en formato eléctrico, publicado bajo el nombre de In Concert/MTV Plugged, obtuvo reseñas desfavorables en relación a previos trabajos.
Un año después, Springsteen obtuvo un Premio de la Academia por la canción "Streets of Philadelphia", incluida en la banda sonora de la película de Jonathan Demme Philadelphia, recuperando con ello el prestigio puesto en duda en su última etapa musical.
En 1995, después de reorganizar temporalmente la E Street Band para grabar varias canciones incluidas en Greatest Hits (sesiones posteriormente recuperadas para el documental Blood Brothers), Bruce publicó su segundo trabajo en formato acústico, The Ghost of Tom Joad, inspirado en la novela de John Steinbeck Las uvas de la ira y premiado con un Grammy al mejor álbum de folk contemporáneo. El álbum fue en general peor recibido en comparación con Nebraska, debido en gran medida a su mínima melodía y a la naturaleza política de las canciones, si bien también fue elogiado por dar voz a los inmigrantes y a otros sectores abandonados en la cultura americana. La posterior gira de promoción, desarrollada en teatros a nivel global, incluyó buena parte de su viejo repertorio modificado y adaptado al formato acústico.
Tras la gira, Springsteen volvió a Nueva Jersey con su familia. En 1998, publicó Tracks, una caja con cuatro discos de canciones descartadas a lo largo de los años anteriores. En 1999, se hizo oficial la vuelta de Springsteen y la E Street Band a los escenarios, llevando a cabo una nueva gira que, bajo el título de Reunion Tour, recorrió durante un año buena parte de la geografía mundial.

2000-actualidad: De vuelta con la E-Street Band
La gira de reunión de Bruce Springsteen con la E Street Band finalizó con diez conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York con las entradas agotadas y con la controversia en torno a la canción "American Skin (41 Shots)", compuesta tras la muerte de Amadou Diallo a manos de la policía neoyorkina en un caso de brutalidad policial y racismo a ojos de la opinión pública. Los últimos conciertos en el Madison Square Garden fueron grabados y publicados en CD y DVD bajo el título de Bruce Springsteen & the E Street Band: Live In New York City y emitidos como documental de televisión por la cadena HBO.
En 2002, Springsteen publicó The Rising, su primer álbum de estudio con la E Street Band en 18 años. El álbum, en gran medida un reflejo de los atentados del 11-S, obtuvo un éxito de crítica y ventas. Al respecto, The Rising se convirtió en el álbum mejor vendido de su carrera en 15 años. Algunas de las canciones fueron influidas por conversaciones telefónicas que Springsteen tuvo con familiares de fallecidos en los ataques terroristas, en los que mencionaban la importancia de su música en sus vidas. Tras aparecer en el programa Today de la NBC, Springsteen dio comienzo a la gira The Rising Tour, llegando a tocar 10 noches en el Giants Stadium de Nueva Jersey. Tras la gira, Springsteen publicó el DVD Live in Barcelona con el concierto ofrecido el 16 de octubre de 2002 en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
En la ceremonia de entrega de los Premios Grammy de 2003, Springsteen interpretó el tema "London Calling" de The Clash junto a Elvis Costello, Dave Grohl y el miembro de la E Street Band Steven Van Zandt en tributo a Joe Strummer.
En 2004, Springsteen anunció su participación en la gira Vote for Change junto a la E Street Band y otros músicos y grupos como John Mellencamp, John Fogerty, Dixie Chicks, Pearl Jam, R.E.M. y Jackson Browne. Los conciertos fueron programados en "estados clave" para beneficio de American Coming Together y con el fin de animar a la gente a ejercer su derecho al voto. Si bien previamente Springsteen había ofrecido conciertos en favor de causas benéficas como la lucha contra la energía nuclear o a favor de los veteranos de Vietnam, su participación en Vote for Change supuso la primera vez en la que Springsteen declaraba abiertamente su voto al Partido Demócrata, y especialmente al candidato a la Presidencia John Kerry. Durante la campaña electoral, Kerry usó el tema de Bruce "No Surrender" como canción principal, llegando incluso a contar con la participación de Bruce en los últimos actos electorales.
Devils & Dust, publicado el 26 de abril de 2005 y grabado sin la E Street Band, vuelve al formato acústico con un estilo muy parecido a Nebraska y The Ghost of Tom Joad, aunque con más instrumentación. La canción que da nombre al disco refleja los sentimientos y los miedos de un soldado durante la invasión de Iraq de 2003. Starbucks rechazó un acuerdo de márketing para promocionar el nuevo disco debido, en parte, al contenido sexualmente explícito de la letra de una de las canciones, pero también a la política anticorporativa de Springsteen. A pesar de todo, Devils & Dust alcanzó el primer puesto en las listas de Estados Unidos, Austria, Suiza, Suecia, Dinamarca, Italia, Alemania, Países Bajos, Reino Unido e Irlanda.
Springsteen comenzó su gira en solitario Devils & Dust Tour al mismo tiempo que el lanzamiento del álbum, tocando tanto en grandes escenarios como en pequeños locales. En algunos lugares no hubo gran afluencia de público, por lo que, excepto en Europa, fue más fácil conseguir las entradas en comparación con otras ocasiones. A diferencia de la gira en solitario tras la publicación de "The Ghost Of Tom Joad" a mediados de los 90, Bruce tocó el piano, el piano eléctrico, el órgano, el autoarpa, el ukelele, el banjo, la guitarra eléctrica y el pedal steel, así como la guitarra acústica y la armónica, lo que aportó variedad al sonido en solitario. (En algunas canciones se hizo uso de un sintetizador, otra guitarra acústica y de percusión, aunque sin aparecer en el escenario.) Las prodigiosas interpretaciones de "Reason to Believe", "The Promised Land", y "Dream Baby Dream" (de la banda Suicide) estremecieron al público, mientras las rarezas, las frecuentes canciones no previstas y sus ganas de seguir experimentando, errores al piano incluidos, contentaron a sus más fieles seguidores al brindar un factor de espontaneidad a los conciertos.
En noviembre de 2005, los senadores por Nueva Jersey Frank Lautenberg y Jon Corzine encabezaron una resolución al Senado de los Estados Unidos para condecorar a Springsteen coincidiendo con el trigésimo aniversario del álbum Born to Run. A pesar de que una gran mayoría de las condecoraciones a nativos americanos son aprobadas con un sistema de votación tradicional, la resolución fue rechazada por un comité. El mismo mes, Sirius Satellite Radio creó E Street Radio, una cadena de radio que incluía música de Springsteen, entrevistas y conciertos diarios las 24 horas del día.
Bruce Springsteen en un concierto ofrecido en Milán, Italia, el 12 de mayo de 2006 en la gira The Seeger Sessions Band Tour.
Tras finalizar la gira, Springsteen se involucró en la grabación de un disco folk homenaje a Pete Seeger y a la tradición americana, publicado en abril de 2006 bajo el título We Shall Overcome: The Seeger Sessions. El álbum fue grabado junto a una larga lista de músicos, entre los que figuran miembros de The Miami Horns, la violinista Soozie Tyrell y su propia esposa, Patti Scialfa, formando el grupo The Seeger Sessions Band. En contraste con previos trabajos, We Shall Overcome fue grabado en tres únicas sesiones, pudiendo escucharse al propio Bruce gritar acordes al tiempo que el grupo improvisa. La gira Bruce Springsteen with the Seeger Sessions Band Tour dio comienzo el mismo mes, obteniendo buenos resultados en Europa, donde cosechó buenas reseñas y notables ventas en relación a varios conciertos en Estados Unidos, donde varios periódicos se hicieron eco de escasas ventas en varios conciertos. En julio, Bruce Springsteen with The Sessions Band: Live in Dublin, una selección de temas interpretados durante tres conciertos en el Point Theatre de Dublín, Irlanda, fue publicado.
Terminada la gira con The Sessions Band, el 2 de diciembre de 2006 participó en el festival benéfico Light Of Day, fundación para la enfermedad de Parkinson y la esclerosis lateral amiotrófica, donde actuó junto a Joe Grushecky y a Jorge Otero, cantante y guitarrista de Stormy Mondays.
Springsteen en concierto en 2008, con el batería Max Weinberg al fondo.
El primer trabajo de Bruce con la E Street Band en cinco años, Magic, fue publicado el 2 de octubre de 2007. El primer sencillo, "Radio Nowhere", fue publicado como descarga gratuita el 28 de agosto. El 7 de octubre, Magic debutó en el primer puesto en Irlanda y Reino Unido, al tiempo que Greatest Hits reentró en la lista de álbumes irlandesa en el puesto 57. Asimismo, Sirius Satellite Radio volvió a emitir desde el 27 de septiembre la E Street Radio en el canal 10.
Tras la publicación de Magic, Springsteen y la E Street Band se embarcaron en la gira Magic Tour, la cual dio comienzo en el Hartford Civic Center de Hartford, Connecticut. Durante la gira, el organista Danny Federici se vio obligado a abandonar en noviembre de 2007 al serle diagnosticado un melanoma. Tras batallar contra la enfermedad durante tres años, Federici falleció el 17 de abril de 2008.
El 2 de noviembre de 2008, en un acto de la campaña electoral de Barack Obama, Springsteen estrenó la canción "Working on a Dream" a dúo con Patti Scialfa. La canción sirvió como precedente a la publicación de un nuevo trabajo de estudio, Working on a Dream, publicado el 27 de enero de 2009.
El 11 de enero de 2009, Springsteen ganó un Globo de Oro por su canción "The Wrestler", incluida en la película homónima de Mickey Rourke. El 1 de febrero, actuó en el intermedio de la Superbowl XLIII interpretando "Tenth Avenue Freeze-Out", "Born to Run", "Working on a Dream" y "Glory Days".

El 1 de abril de 2009, Springsteen comenzará la gira de promoción de Working on a Dream en San José, California. La gira se vio envuelta en la polémica en febrero de 2009 cuando se observó que Ticketmaster, sitio de venta oficial de entradas a través de Internet, redirigía a los compradores a la subsidiaria TicketsNow, donde las entradas eran vendidas a un precio mayor. Irving Azoff, director ejecutivo de la compañía, publicó una nota aclaratoria seguida de un comunicado de Springsteen, quien acusó a la compañía de "abusar de la confianza de sus seguidores".

jueves, 4 de junio de 2009

Rock Sinfónico

El rock sinfónico es un estilo musical surgido a partir de mediados de los sesenta que pretende explorar nuevos caminos musicales, mediante la combinación creativa de elementos de la música docta (o mal llamada música "Clasica"), la psicodelia y el hard rock.
En el rock sinfónico se suele plantear la concepción de la obra musical como un todo coherente (el álbum o disco conceptual), en vez de como un conjunto de temas sueltos. Los primeros discos conceptuales, como Sgt. Pepper's Lonely Hearts' Club Band, de los Beatles, o Days of a future passed, de Moody Blues, son ciclos de canciones relativamente breves, que desarrollan una historia. Dando un paso más, bandas de los 70 como Pink Floyd, Mike Oldfield, King Crimson, Jethro Tull, Genesis, Emerson, Lake and Palmer o Yes se lanzan a la creación de obras épicas como Supper's Ready, Tubular Bells o Thick as a brick, una suerte de sinfonías rock, que a menudo se extienden durante toda una cara (o las dos) de un LP.
El Rock Sinfónico toma su nombre de la sonoridad de las sinfonías clásicas, que a partir de entonces se agrega a la paleta de colores del pop. La sonoridad sinfónica se recrea mediante el uso de orquestas, secciones de cuerda o sintetizadores como el mellotron. Los primeros experimentos de este tipo se encuentran en canciones como Yesterday o Eleanor Rigby, de los Beatles. Los intentos más ambiciosos que siguen (p. ej. el Concierto para grupo y orquesta de Deep Purple o Atom Heart Mother de Pink Floyd) no siempre son afortunados. Tras caer en el descrédito a mitades de los 70, los experimentos que reúnen a un grupo de rock con una orquesta clásica retornan a finales de los 90, con discos como S&M de Metallica.
A mediados de los 90's aparece en europa una nueva forma de rock sinfonico o mejor conocido como Metal Sinfonico Operatico Orquestal, cuyo mayor exponente y virtual punta de lanza de este sui generis es el Grupo Sueco Therion, quienes utilizan los componentes rítmicos de un grupo de metal, similar al heavy metal pero acorde a la sincronización y afluencia de una orquesta sinfonica, por lo que no es igual al concierto de San Francisco de Metallica que supone un acompañamiento musical sinfonico similar a una producción hollywoodense; por el contrario, conlleva a la composición integra de una canción con intervenciones sinfónico e incluso sintéticas en algunos casos. Así mismo el canto de la lírica de la canción es desarrollado por voces y coros operaticos, como Barítonos, Bajos, Sopranos y en algunos casos Tenores, desplazando a segundo plano y/o eliminando las usuales voces heavy metaleras, chillonas y roncas.
La lírica de este género es compuesta por temas épicos, mitología occidental griega, celta, vikinga, barbarica, cristiana y de mediano oriente; por lo que se percibe el alto grado de preparación, no solo musical sino académica de los integrantes de éstos grupos europeos y compositores de este tipo de género.

viernes, 29 de mayo de 2009

Van Morrison

George Ivan Morrison OBE (Belfast, Irlanda del Norte, 31 de agosto de 1945), más conocido como Van Morrison, es un cantante, compositor y músico norirlandés, con gran dominio de instrumentos como la armónica, la guitarra, el saxofón y el piano. Debido a su característica voz y al mestizaje de la música folk, blues, country y gospel que frecuentemente realiza en sus canciones, Morrison es ampliamente considerado uno de los cantantes y músicos más influyentes de la música contemporánea.[1] [2] [3] En ese aspecto, el crítico musical Greil Marcus llegó a decir que "ningún hombre blanco canta como Van Morrison".

Conocido como Van the Man por sus seguidores, Morrison comenzó su carrera como cantante del grupo Them. Unos años más tarde, Morrison abandonó el grupo para iniciar una carrera en solitario.[2]
Con el paso de los años, Van Morrison ha conseguido un registro musical muy propio. Gran parte de su música está estructurada en torno a las convenciones del soul americano y del R&B, visibles en los temas "Brown Eyed Girl", "Moondance", "Into the Mystic", "Domino" y "Wild Night". Otra parte de su catálogo se compone de etapas musicales inspiradas en la tradición celta, en el jazz y en el monólogo interior, como ocurre en los álbumes Astral Weeks, Veedon Fleece y Common One. Ambas partes son denominadas conjuntamente como "Celtic Soul".

La carrera musical de Morrison, que abarca cinco décadas, ha influenciado a numerosos artistas musicales. Fue elegido para el Salón de la Fama del Rock en 1993 y para el Salón de la Fama de los Compositores en 2003. En el año 2000, Morrison quedó clasificado en la vigesimoquinta posición de la lista de los cien mejores artistas de rock'n'roll, realizada por la cadena de televisión VH1, y en 2004, la revista musical Rolling Stone estableció a Van Morrison en el puesto 42 de la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.[4] [5

Edvard Grieg

Biografía
Edvard Grieg nació en Bergen (Noruega), el 15 de junio de 1843, descendiente de una familia de escoceses, cuyo apellido original era "Greig"—después de la Batalla de Culloden, en 1746, su bisabuelo había inmigrado por varios lugares, para finalmente asentarse como comerciante en Bergen, Noruega, alrededor del año 1770—.
Edvard creció en un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista Noruego Ole Bull, quien fue amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubre el talento del muchacho de 15 años y convence a sus padres de enviarle al Conservatorio de Leipzig para que lo desarrolle.
Grieg ingresó entonces en el conservatorio especializándose en piano posteriormente en el año de 1858, y pronto encontró recompensa en los numerosos recitales y conciertos dados en Leipzig. Sintió bastante aversión a la disciplina impartida en el conservatorio, aun así, alcanzó muy buenos resultados en la mayoría de las áreas, con excepción del órgano, el cual era obligatorio para los estudiantes de piano. En la Primavera de 1860, contrajo una peligrosa enfermedad pulmonar. Un año después, hizo su debut como concertista de piano, en Karlshamn, Suecia. El año siguiente finalizó sus estudios en Leipzig y realizó su primer concierto en su ciudad natal de Bergen donde ejecutó algunas obras complejas técnicamente, incluyendo Pathétique de Beethoven.
En 1863, Grieg fue a Copenhague, Dinamarca, y permaneció allí por tres años. Conoció entonces a los compositores Daneses J. P. E. Hartman y Niels Gade. También conoció al compositor Noruego Rikard Nordraak (compositor del Himno nacional de Noruega) quien se convirtió en un gran amigo y en una fuente de inspiración para Grieg. Nordraak murió poco después, Grieg compuso en su honor una marcha fúnebre. Grieg tenía lazos cercanos con la Orquesta Filarmónica de Bergen (Harmonien) y fue director Musical de la orquesta desde 1880 hasta 1882. También vio a Franz Liszt en dos ocasiones en Copenhague.
El 11 de junio de 1867, Grieg contrajo matrimonio con su prima hermana, Nina Hagerup, a quien había conocido también en Copenhague. El matrimonio entre primos era muy común en aquella época, no siendo este un impedimento para que estuviesen realmente enamorados, como lo es en este tiempo. Al año siguiente, nació Alejandra su única hija. En el verano siguiente, Grieg escribió su famoso Concierto para piano en la menor mientras estaba de vacaciones en Dinamarca. Edmund Neupert dio un concierto de su primer trabajo en Copenhague. Grieg no pudo asistir debido a los compromisos de dirección que tenía en Christiania (Oslo).
En el verano boreal de 1869, mientras Grieg se encontraba de paso en Bergen, Alejandra enfermó de meninigitis y posteriormente falleció, cuando tenía apenas 13 meses de edad. Una vez que Edvard y Nina se restablecieron medianamente de la pérdida, fueron a Roma incentivados por el gobierno noruego, y fueron invitados a una reunión con Franz Liszt, quien expresó su aprecio por el Concierto para piano en la menor de Grieg. Liszt, ejecutante de piano, compuso la partitura orquestal y la línea de piano en tiempo real (lo cual es un enorme desafío musical y técnico). Posteriormente criticó constructivamente el trabajo de Edvard y le dijo: "Siga firme en su camino. En verdad le digo, usted tiene capacidad. Y sobre todo, no se deje intimidar". Esto fue un factor muy importante y alentador en la carrera de Grieg. Liszt escribió también un testimonial a los directores Noruegos, lo que condujo a Grieg a conseguir una beca.
Pero mientras la vida profesional de Grieg continuaba, su vida personal se deterioraba cada vez más: En 1875 fallecieron sus padres, evento que lamentablemente dejó tanto a Nina como a Edvard sin una casa a la cual retornar en Bergen. Posteriormente y sobre todo por dolo, Grieg deja a Nina pero al año siguiente se reconcilian y vuelven a vivir juntos.
Edvard Grieg falleció en el otoño de 1907, a los 64 años de edad, en el hospital de Bergen, víctima de una enfermedad crónica en uno de sus pulmones. El funeral condujo a miles de personas a las calles de su ciudad natal para honrarlo, y conforme a su deseo, la marcha fúnebre que había compuesto para Rikard Nordraak fue interpretada por una orquesta, en la cual se hallaba inmerso como miembro a su amigo Johan Halvorsen; también fue ejecutada en la ceremonia la marcha fúnebre compuesta por Frédéric Chopin. Sus cenizas y las de su esposa fueron sepultadas en una tumba de una montaña frente a un lago, situado cerca a su casa, en Troldhaugen.

Música
Grieg es considerado como un compositor nacionalista, reflejando la inspiración de la música folclórica noruega. Sus primeros trabajos incluyen una “Sinfonía en do menor” y una “Sonata para piano en mi menor Op. 7”. También escribió tres sonatas para violín y piano, y muchas pequeñas obras para piano — por esto algunos lo llamaron el Chopin del Norte —, a menudo inspirado en danzas y canciones populares de Noruega, los fiordos y paisajes de su país y el dialecto hadangar.
Entre las obras más conocidas encontramos el Concierto para Piano en La menor, la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas, y diez volúmenes de piezas líricas (para piano). También es conocido por su música incidental, compuesta por encargo de Henrik Ibsen para su obra literaria Peer Gynt.

La música de Grieg en la cultura popular
La mañana fue un favorito de Carl Stalling, quien a menudo lo usó para algunos cortos en Warner Bros; esta obra, al contrario de lo que muchos piensan, fue creada para representar un amanecer en el desierto del Sahara, y no uno en los fiordos de Noruega.
La obra En la gruta del rey de la montaña fue utilizada en 1931 para la película "M, el vampiro de Düsseldorf", de Fritz Lang y por Rick Wakeman en su "Journey to the Centre of the Earth" (1973). El mismo tema es retomado en el videojuego "Doriath" (1982) y "Manic Miner" (1983). Otra versión de la misma obra está incluida en el álbum The Circus del dúo británico de synthpop Erasure del año 1987. En 1995, Ritchie Blackmore la recreó en el último trabajo de Rainbow (Stranger in us all). Además, la banda finlandesa Apocalyptica hizo una versión de ésta en su álbum de 2001 Cult.
El primer movimiento del concierto para piano de Grieg es usado en el film Lolita de Adrian Lyne en 1997. El tema Tapt ap Hav (2005) de la banda noruega Midnattsol está basada en la Canción de Solveig (Solveig's song) e incluye la letra de Henrik Ibsen interpretada por Carmen Elise Espenæs.

La zarzuela

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Se diferencia de la ópera en que la zarzuela está cantada en español, e incluye partes habladas en lugar de los recitativos cantados de la ópera. Se cultivó también en Cuba y Venezuela, donde destacaron los compositores Ernesto Lecuona y José Ángel Montero respectivamente.

Historia
Parece que los primeros autores que aportaron su genio a este nuevo estilo de teatro musical fueron Lope de Vega y Calderón de la Barca. Según las investigaciones, Calderón es el primer dramaturgo que adopta el término de zarzuela para una obra suya titulada El golfo de las sirenas (1657).

Lope de Vega escribió una obra que tituló La selva con amor, drama con orquesta. Lope de Vega dice que es «cosa nueva en España». En el prólogo de 1629 de esta obra se dice: «Los instrumentos ocupaban la primera parte del teatro, sin ser vistos, a cuya armonía cantaban las figuras los versos, haciendo de la misma composición de la música las admiraciones, quejas, iras y demás afectos…». Sin embargo, sólo se conserva la música suficiente en la obra Los celos hacen estrellas de Juan Hidalgo y Juan Vélez, que se estrenó en 1672. Con esta obra se puede tener una idea de cómo era este género en el siglo XVII.
El siglo XVIII da entrada a la dinastía de los Borbones y con ellos se pusieron de moda los estilos italianos en diversas manifestaciones artísticas, incluida la música. Las zarzuelas del siglo XVIII se convirtieron en obras estilísticamente parecidas a las óperas italianas: por ejemplo, las obras de Antonio de Literes. Pero al llegar el reinado de Carlos III, también Borbón, los problemas políticos provocaron una serie de revueltas contra los ministros italianos, hecho que repercutió en las representaciones teatrales y de nuevo imperó la tradición popular española representada, en esta ocasión, por los sainetes de don Ramón de la Cruz. La primera obra de este autor representada en este género fue Las segadoras de Vallecas (1768), con música de Rodríguez de Hita.
El auge de la zarzuela llegó, en el siglo XIX, a partir de 1839, con los músicos Francisco Barbieri y Emilio Arrieta. Muchas veces el éxito de la obra se debía a una o más canciones que el público aprende y da a conocer oralmente, como ocurría con los cuplés. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas que, generalmente, son interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular.
En ésta época se divide en género chico (zarzuelas de un solo acto) y género grande (zarzuelas de tres actos). Se adoptan temas costumbristas, populares, cómicos y bailes españoles. Algunos autores de esta época son Emilio Arrieta, Federico Chueca, Fernández Caballero, Tomás Bretón y Ruperto Chapí. En el siglo XX comenzó el declive de la zarzuela.
Después de la Revolución de 1868, el país entró en una profunda crisis (sobre todo económica) que se reflejó también en el teatro. El espectáculo teatral era caro y ya no se podían pagar aquellos precios. Fue entonces cuando el Teatro Variedades de Madrid tuvo la idea de reducir el precio del espectáculo y, al mismo tiempo, la duración de la representación. Una función teatral duraba, por aquel entonces, cuatro horas y se redujo a una hora. Fue lo que se llamó teatro por horas. La innovación tuvo un gran éxito y los compositores de zarzuelas se acomodaron al nuevo formato creando obras mucho más cortas. A las zarzuelas de un solo acto se las clasificó como Género chico y Género grande a las zarzuelas de tres actos o más. La zarzuela grande fue batallando en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, pero con poco éxito y poco público. A pesar de esto, en 1873 se abrió un nuevo teatro, el Apolo, que compartió los fracasos con el anterior, hasta que no tuvo más remedio que cambiar el espectáculo al género chico.

Discografía
A partir de 1950 la zarzuela pudo sobrevivir gracias a la discografía, un campo que se mantuvo en auge desde entonces. Se produjeron una serie de grabaciones de gran éxito, la mayoría de ellas dirigidas por el músico español Ataúlfo Argenta. Las mejores voces del momento aparecieron en estos discos, cantantes mundialmente famosos que profesionalmente se dedicaban a la ópera y a los recitales. Voces como las de Teresa Berganza, Ana María Iriarte, Carlos Munguía, etc., participaron en las grabaciones. Se añadieron los coros del Orfeón Donostiarra y Coro de Cantores de Madrid contribuyendo a darles una gran calidad.
Tras la muerte de Ataulfo Argenta se incorporaron los directores Indalecio Cisneros, García Asensio, y otros. Incluso hubo grabaciones que fueron dirigidas por el propio autor de la obra, como fue el caso de Pablo Sorozábal y Federico Moreno Torroba. En esta etapa participaron en las grabaciones nuevas y grandes voces consagradas: Monserrat Caballé, Alfredo Kraus, Plácido Domingo, Juan Pons, etc.

Luigi Boccherini

Biografía

Nacido en Lucca el 19 de febrero de 1743, en el seno de una familia de artistas. Su padre fue contrabajista y su hermana bailarina de ballet. Su hermano Giovanni Gastone fue escritor y poeta de cierto prestigio, que llegó a escribir libretos para Antonio Salieri y Joseph Haydn. Boccherini se interesó por el chelo. Su padre le da las primeras lecciones, ampliándolas con el sacerdote Domenico Vannuci. Progresó tanto que en las fiestas de Lucca de 1756 consta su participación como violoncelista; contaba tan sólo 13 años de edad. Impresionado su padre por las aptitudes de Luigi le envía a Roma a estudiar con Constanzi, un compositor célebre por esa época, autor de óperas y música sacra. Se familiariza con la obra de Palestrina y de Allegri, cuyo famoso Miserere impresionará al joven músico.
En 1757, después de terminar sus estudios en la Basílica de San Pedro en Roma, acompañó a su padre que había logrado obtener plaza para ambos en la corte imperial austríaca en Viena, y no volvió a Lucca hasta 1800.
Ante el relativo poco éxito de su carrera -y su escasa remuneración- Boccherini inicia una gira de conciertos con su cuarteto de cuerda creado en 1764 con los violinistas Pietro Nardini y Filippo Manfredi y el viola Giuseppe Cambini. Su repertorio está formado por obras de Haydn, el propio Boccherini y otros compositores contemporáneos. Entre 1764 y 1768 compone dos oratorios: Giuseppe Riconosciuto y Gioas, re di Giudea.
En 1768 se instala en París con su segundo violín Filippo Manfredi. Allí publica algunos cuartetos op.1 y tríos op.2. Poco a poco la fama de Boccherini crece. Entonces aparece en su vida el embajador de España en París, Joaquín Anastasio Pignatelli, y consigue convencer a ambos de trasladarse a Madrid bajo la protección del infante Luis Antonio de Borbón y Farnesio, hermano pequeño del rey Carlos III.
Pero la situación no les es tan favorable como habían esperado. Numerosos músicos italianos que ya estaban en Madrid envidian el talento de Boccherini. Además, el género más apreciado en la Corte es la ópera. En 1769 es nombrado violoncelista y compositor de la capilla real del infante Luis Antonio.
Hacia 1770 empezó a componer el primero de sus quintetos para cuerda, una obra con la que ha sido ampliamente relacionado.
El año 1785 cambia sustancialmente su vida: fallece su esposa Clementina en Arenas de San Pedro, y meses después, el 7 de agosto, su patrón Don Luis. Boccherini regresa solo y con 6 hijos: Joaquina, Luis Marcos, José Mariano, María Teresa, Mariana e Isabel. Una vez en Madrid consigue dos importantes patronazgos: es nombrado compositor de la Corte de Federico Guillermo II de Prusia, sin obligación de residir en Berlín (nunca viajó a Alemania); y el de Felipe-Mariano de Riquer y de Sabater, cuarto marqués de Benavente (1713-1794).
Estos dos mecenazgos fueron decayendo en los últimos años de su vida, de forma que la situación de Boccherini fue empeorando paulatinamente. Angustiado por las desgracias de la pérdida de sus hijos y de su segunda mujer, y a pesar de la ayuda del embajador francés Luciano Bonaparte, murió el 28 de mayo de 1805, a los 62 años de edad y, aunque se cree que lo hizo siendo pobre, un reciente estudio de su testamento realizado por uno de sus descendientes directos demuestra que no murió rico pero murió con dinero y no en la miseria.
Boccherini fue enterrado en la iglesia de San Justo de la calle del Sacramento de Madrid, hoy basílica pontificia de San Miguel. En 1927 Mussolini llevó los restos del compositor a Lucca para ser enterrado en la iglesia de San Francisco, en el panteón de los hijos ilustres de esa ciudad toscana. Sus descendientes siguen viviendo en España.

Obra
Luigi Boccherini dio un impulso importante a la música de cámara, dejando, entre otras:
•124 quintetos de cuerda
•90 cuartetos de cuerda
•48 tríos
•Más de 21 sonatas para violoncelo y bajo continuo
Además compuso 11 conciertos para chelo y orquesta, de los cuales merece especial atención el Op.34 en si bemol mayor, sin duda el más conocido e interpretado.
Su famosa Musica notturna della strade di Madrid (Quinteto para cuerda en do mayor, Op. 30) es también recordada en España como sintonía de la serie de Televisión Española "Goya", y más recientemente como parte de la banda sonora de la película 'Master and Commander: Al otro lado del mundo' (2003) y otra obra muy destacada, quizá su obra más conocida, es el minueto, del Quinteto de Cuerda op. 13, nº5.

jueves, 14 de mayo de 2009

Jazz

Orígenes
Geográficamente, el jazz surge en el estado de Luisiana, concretamente en la zona de influencia de Nueva Orleans (cuna del estilo musical y principal centro jazzístico durante la primera época del jazz), a donde llegaban grandes remesas de esclavos de color, fundamentalmente de la zona occidental de África, al sur del Sáhara, la zona denominada Costa de Marfil, "Costa del Oro" o "Costa de los esclavos".
En muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba específicamente prohibido por la ley, de forma que los esclavos negros tuvieron que recurrir a la percusión mediante las palmas de las manos y el batir de los pies para disfrutar de sus fiestas y su música característica. Sin embargo, la prohibición no tuvo vigor en la llamada Place Congo (Congo Square) de Nueva Orleans, en la que hasta la Guerra de Secesión los esclavos tenían libertad para reunirse, cantar y acompañarse de verdaderos instrumentos de percusión tales como calabazas resecas y rellenas de piedrecitas, el birimbao, las quijadas, el piano de dedo pulgar o sanza, y el banjo de cuatro cuerdas.
Musicalmente, el jazz nace de la combinación de tres tradiciones: la autóctona estadounidense, la africana y la europea.
La comunidad afroamericana del sur de los Estados Unidos desarrolló su expresión musical a través de la improvisación creativa sobre el material que le proporcionaban las músicas religiosas (especialmente, los bailes y rituales vinculados al vudú) y seglares propias traídas de África, la tradición instrumental de las orquestas estadounidenses (sobre todo, las bandas militares) y las formas y armonías de la música europea.
Estas primeras manifestaciones musicales afroamericanas eran una mezcla de ritmos e instrumentos asociadas a la vida de los esclavos, por lo tanto interpretadas como canciones de trabajo y de diversión colectiva. La improvisación es ya, en estos primeros momentos, un componente esencial de estas músicas, que las contrapone a la música compuesta de los blancos.
Los esclavos fusionaron muchas de sus tradiciones africanas con el cristianismo protestante que les impusieron sus amos, lo que constituyó el caldo de cultivo apropiado para el desarrollo de los espirituales. Es importante observar el hecho de que, a pesar de las divergencias en ritmo, armonía y estilo interpretativo, la tradición musical europea que los esclavos conocieron en Estados Unidos ofrecía puntos de contacto con su propia tradición: así, la escala diatónica era común a ambas culturas. Si a esto se le añade el relativo aislamiento cultural en que vivía gran número de esclavos y la tolerancia de los amos respecto de su música, la consecuencia fue que pudiesen mantener íntegro gran parte de su legado musical en el momento de fusionarse con los elementos compatibles de la música europea y estadounidense, con lo que se consiguió un híbrido con notable influencia africana.
La finalización de la guerra que enfrentó el norte con el sur, permitió la llegada de gran cantidad de instrumentos musicales a las manos de los esclavos recién liberados, muchos de los cuales tomaron la música como forma de vida.
Con estos nuevos instrumentos y reuniendo todas las influencias musicales, se formaron las 'marching bands' y las bandas de música bailable de la época, que, a finales del XIX, suponían el formato habitual en lo que a conciertos de música popular se refiere. Los instrumentos de este tipo de grupos se convirtieron así en los instrumentos básicos del jazz: la corneta, el trombón, los 'reeds' o 'instrumentos de lengüeta' como el clarinete, y la batería.
Los músicos negros solían utilizar la melodía, la estructura y el ritmo de las marchas como punto de salida. Sin embargo, en el proyecto de la Dotación Nacional para las Humanidades ("Norte por Sur, de Charleston a Harlem") se dice: "(…) un espíritu negro, relacionado con el ritmo y la melodía, emergía desde los confines de la tradición musical europea, aun a pesar de que los intérpretes utilizaban instrumentos europeos. El gusto afroamericano por diversificar las melodías y remodelar los ritmos supuso la base de la que surgirían después muchos de los más grandes intérpretes del jazz.
Siguiendo la tradición afroamericana de Nueva Orleans, muchos músicos negros consiguieron ganarse la vida en pequeñas bandas que eran contratadas para tocar en funerales. Estas bandas africanizadas jugaron un papel embrionario en la articulación y diseminación de las formas tempranas del jazz. Viajando a través de las comunidades negras, desde el sur profundo a las grandes ciudades del norte, estos músicos pioneros consiguieron establecer el aullido, la estridencia, el libre desvarió, la "ragedia" (raggedy) y el espíritu del ragtime, dando vida a una más elocuente y sofisticada versión del ritmo. Así las cosas, las formas iniciales del jazz, con sus raíces populares y humildes, fueron básicamente el producto de músicos autodidactas.
El endurecimiento de las leyes ‘Jim Crow’ en Luisiana a finales del XIX (que promovían la segregación racial con el tristemente famoso "iguales pero separados") hizo que muchos músicos afroamericanos fueran expulsados de diversas bandas que mezclaban a blancos y a negros. La habilidad de estos artistas musicalmente formados, capaces de transcribir y leer aquello que en gran parte suponía un arte de improvisación, hizo posible conservar y diseminar sus innovaciones musicales, hecho que cobraría una importancia creciente en la ya cercana época de las grandes bandas.
Progresivamente, aparte de irse creando esos grupos de músicos negros que actúan de forma autónoma y conjuntada como tales, se van estandarizando algunos estilos o géneros:
•Los field shouters o lamentos de los esclavos expresando la crueldad de sus largas horas de trabajo, a los que luego fueron incorporados algunos instrumentos occidentales y principalmente, el ritmo sincopado africano.
•El blues: asociado a la descripción de un estado emocional desconsolado o marcado por la depresión, aunque no sea intrínsecamente pesimista: expresa problemas relacionados con la pobreza, la emigración, las disputas familiares, la opresión, pero los reconduce con su expresión hacia la experimentación de una catarsis que deriva bien en la resignación, bien en el optimismo. El entorno original del blues es el gueto negro urbano y la granja rural.
El blues cuenta con una historia en gran medida independiente del jazz, a pesar de que su papel crucial en la creación y desarrollo del jazz resulta innegable. El formato musical, la escala y los rasgos interpretativos del blues forman parte del jazz y son decisivos para la comprensión de dicho género.
•Las worksongs o canciones de trabajo en las plantaciones de algodón;
•También la música de baile de las plantaciones contribuyó con seguridad a la formación del jazz y sus intérpretes son probablemente un precedente de sus primeros combos. Esta música servía para acompañar el baile y la aportaba un grupo de tres músicos: violín, banjo y percusión ligera (que a finales del siglo XIX contarían también con contrabajo o violonchelo y trompeta o corneta);
•La comedia, el vodevil y los minstrels;
•Los espirituales;
•Las marchas ejecutadas por brass bands, bandas callejeras que actuaban en desfiles, cortejos, etc.;
•El ragtime, "la primera música negra que consiguió amplia popularidad y distribución comercial", y de enorme influencia en toda la música estadounidense y en la música clásica de la época en general.
La mayoría de las consideraciones musicales relativas al jazz anterior a 1917 son materia de especulación, pues apenas existen grabaciones de lo que hoy se suele conocer como jazz.
Se considera a Buddy Bolden, cornetista y director musical, como el primer músico de Nueva Orleáns que tocó jazz.

Los primeros músicos de jazz
Los primeros grupos musicales que tocaron música jazz se caracterizaban por poseer una sección rítmica cuya función no era melódica y que evolucionaría hasta componerse de piano, contrabajo y batería. En este sentido, la importancia del piano para el nuevo estilo fue fundamental:
Mientras que el pianista de ragtime operaba como una entidad autosuficiente que ejecutaba de modo simultáneo los elementos melódicos, armónicos y rítmicos de la pieza, el pianista inscrito en un grupo de jazz se especializaba en dos de estas tres funciones: el patrón armónico y el ritmo propulsivo.
Por otro lado, el percusionista añadió vivacidad y síncopa a estos primeros combos jazzísticos. El instrumento melódico fundamental era la trompeta o corneta, que servía para delinear melodías sincopadas muy al estilo ragtime.
En cuanto a los músicos individuales, los pioneros del jazz fueron King Oliver, Freddie Keppard, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton, Sidney Bechet y Buddy Bolden.
{{cita|El ritmo de los grupos de Nueva Orleans (...) se caracterizaba por operar en tres niveles: el pulso de negra, el grupo armónico de blanca y el grupo melódico u ornamental de corchea. (...) La polifonía improvisada de la primera línea consistía en ornamentación, obbligato e invención contramelódica. (...) El conjunto musical incluía elementos formales
Rítmicamente, los dos rasgos característicos del jazz de Nueva Orleans eran el break, originador de homofonía, y el stomp, con rasgos polifónicos.
Por lo demás, el jazz de los primeros tiempos tenía una clara funcionalidad social, tocándose en funerales, bodas, bailes, etc. Esta asociación con elementos populares conllevó que el jazz fuese vinculado a la vida licenciosa, ganándose las constantes críticas de la prensa a partir de los primeros años veinte por considerarse un síntoma de un generalizado declive moral.

Desarrollo del jazz
Posteriormente, inaugurando la época del swing, (1923-1939) llegó King Oliver, con su "Creole Jazz Band" y grabó entre otras composiciones "Dippermouth Blues". Los tres solos a corneta de esa pieza, además de ser el punto de inflexión entre la música callejera y el jazz, fueron imitados sin contemplaciones hasta mucho tiempo después por un gran número de músicos. Louis Armstrong - segunda trompeta de su banda y discípulo suyo- retomó en la orquesta de Fletcher Henderson el estilo, el virtuosismo y la flexibilidad rítmica de Joe Oliver, superándolo y marcando un camino imborrable en el tiempo. Otro gran iniciador del camino de la improvisación fue Sidney Bechet, virtuoso del clarinete y el saxofón soprano, precursor del "solo" en el jazz, que también en 1923 cautivó a los oyentes de la nueva música con sus grabaciones de "Wild Cat Blues", "Kansas City Man Blues", y en especial, el magistral "House Rent Blues".
Durante finales de los años veinte y hasta mediados de la década del 40, fueron las grandes bandas quienes dominaron la escena musical. El Swing se caracterizó por su carácter melódico que permitió que fuera una música perfecta para el baile por lo que su penetración mundial fue acelerada. Las composiciones seguían un formato escrito y no se daba gran libertad a la improvisación aunque esta no fuera la regla. En principio las grandes bandas eran raciales pero finalmente se fueron integrando músicos blancos y negros. Los más famosos directores de estas grandes bandas fueron Fletcher Henderson, Count Basie, Duke Ellington, Benny Goodman, entre otros.
El bebop (1940-1950), la revolución musical base de todo el jazz moderno, coincidió con la huelga de grabaciones que desde el 1 de agosto de 1942 hasta noviembre de 1944 llevaron a cabo todos los músicos organizados en torno a la Federación Estadounidense de Músicos (AFM). El efecto más perverso de esa huelga fue retrasar oficialmente el nacimiento de aquella nueva música que se estaba gestando en el norte del barrio de Harlem y en torno a un club ya histórico y desaparecido: El Minton's Playhouse de Harlem, en Nueva York. Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk fueron los grandes gestores de este género musical.
El cool o West Coast jazz, y el hardbop (1951-1969) convivieron durante este periodo de tiempo en una pugna por la hegemonía musical del jazz. Mientras en la Costa Oeste de Estados Unidos, Lennie Tristano, Lee Konitz, Dave Brubeck, Paul Desmond y otros músicos generalmente blancos le daban al jazz una impronta estilísticamente más culta, y presuntamente más funcional, en la Costa Este surgió con enorme fuerza alrededor del batería, Art Blakey, Horace Silver y los Jazz Messengers, un estilo que los negros neoyorquinos no dudaron en considerarlo no sólo como una respuesta al presunto amaneramiento del jazz, sino como legitimo heredero del bebop. Luego llegaron al jazz aires renovados que inauguraron toda una época: llegó el jazz libre o freejazz. Ornette Coleman fue acusado por los puristas de asesinar al jazz, pero cuando Miles Davis, entró en ese terreno con discos y aventuras musicales eléctricas, las críticas no sólo terminaron, sino que se volvieron alabanzas. John Coltrane, quien formó parte de algunas formaciones lideradas por Davis, es otro de los músicos insoslayables de este lenguaje musical.
A fines de los años 1960 y comienzos de los años 1970, el jazz se mezcló con el rock para dar lugar a agrupaciones como Soft Machine, Mahavishnu Orchestra, Weather Report, Return to Forever, bandas integradas por muchos de los músicos que habían participado del disco Bitches Brew de Miles Davis (o que habían sido inspirados por aquel álbum), representantes de un estilo llamado fusión o Jazz Rock. Ellos son: Robert Wyatt, John Mc Laughlin, Chick Corea, Herbie Hancock, Dave Holland, Wayne Shorter, Ron Carter, Joe Zawinul, Jack DeJohnette, Billy Cobham, Lenny White. Si bien la moda del jazz-rock pasó, estos músicos desarrollaron -con algunos altibajos- carreras interesantes. Desde esa década -y hasta el presente-, aparecieron otros nombres: Jaco Pastorius -muerto trágicamente en 1987, víctima de un custodio de un bar-, Michael Brecker y su hermano Randy Brecker, Pat Metheny, Bill Frisell, Mike Stern, David Fiuczynski, Esbjörn Svensson Trio, etc.

jueves, 30 de abril de 2009

Puccini

Giacomo Puccini

Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini, (22 de diciembre de1858 - 29 de noviembre de 1924) fue un compositor italiano de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX. Nació en Lucca, localidad toscana.
Es uno de los pocos compositores de ópera capaces de usar brillantemente las técnicas operísticas alemana e italiana. Se le considera el sucesor de Giuseppe Verdi. Algunas de sus melodías como "O mio babbino caro" de Gianni Schicchi y "Nessun Dorma" de Turandot forman parte hoy día de la cultura popular.
Su primera ópera fue Le Villi (1884) y su primer triunfo Manon Lescaut (1893). Además de doce óperas, Puccini escribió otras obras notables, como una Misa solemne, un Himno a Roma, un capricho sinfónico, dos preludios sinfónicos y tres minués para cuarteto de cuerda.

Biografía
Primera etapa
Nacido en una familia de músicos (los Puccini fueron durante generaciones maestros de cámara del Duomo (Catedral) de Lucca), después de haber perdido a su padre a la edad de cinco años, fue enviado a estudiar con su tío Fortunato Magi, que le consideró un alumno no particularmente dotado y sobre todo indisciplinado.
Más tarde consiguió el puesto de organista y maestro de coro en Lucca. La leyenda dice que la decisión de dedicarse al teatro musical le vino después de asistir en 1876 a una representación de Aida de Verdi en Pisa, a donde había llegado a lomo de una mula.
Corresponden a este periodo las primeras composiciones escritas, entre las que destacan una cantata (I figli d'Italia bella, 1877), un motete (Mottetto per San Paolino], 1877) y una Misa (1880).
En 1880, con la ayuda de un pariente y una beca, consiguió inscribirse en el Conservatorio de Milán para estudiar composición con Antonio Bazzini y Amilcare Ponchielli. En ese mismo año, a la edad de 21 años, compuso la Misa, que marca la culminación de la larga relación de su familia con la música religiosa. Aunque Puccini la llamó correctamente la Messa, una Misa, se la conoce popularmente como la Misa de Gloria.
Esta obra anticipa la carrera de Puccini como compositor de ópera, al mostrar atisbos de la capacidad dramática que más tarde liberaría en la escena, ya que las poderosas arias para tenor y bajos solistas son más operísticas de lo habitual en música religiosa. Además, la orquestación y la potencia dramática la comparan con la Misa de Réquiem de Verdi.
Mientras estudiaba en el Conservatorio, Puccini obtuvo un libreto de Ferdinando Fontana y participó en un concurso para realizar una ópera de un acto en 1882. Aunque no ganó el concurso, Le Villi se representó en 1884 en el Teatro dal Verme de Milán y llamó la atención de Giulio Ricordi, editor de música, que le comisionó una segunda ópera para estrenar en el Teatro de la Scala de Milán, pero Edgar (1889), que le costó cinco años de trabajo, no tuvo mucho éxito y en los decenios posteriores sufrió sucesivas modificaciones radicales sin llegar a entrar en el "repertorio".
Entre tanto, en 1884, Puccini había formado una familia, iniciando una convivencia que duró, con vicisitudes, toda la vida con Elvira Bonturi, mujer del farmacéutico de Lucca Narciso Gemignani. Elvira llevó consigo a su hija Fosca, y en 1886, nació Antonio, llamado Tonio, el único hijo del compositor.

Puccini en Torre del Lago
Desde 1891 en adelante, Puccini pasa la mayor parte de su tiempo en Torre del Lago, una pequeña localidad a unos 20 kilómetros de Lucca situada entre el Mar Tirreno y el lago Massaciuccoli, al sur de Viareggio. Al principio vivía en una casa alquilada y pasaba mucho tiempo dedicado a la caza, aunque continuaba visitando Lucca regularmente. Sin embargo, en 1900 compró un terreno y construyó una casa al borde del lago. Puccini vivió en ella hasta 1921, cuando la contaminación del lago por los trabajos de extracción de turba le obligaron a trasladarse a Viareggio, un poco más al norte.

El éxito: las colaboraciones con Luigi Illica y Giacomo Giacosa
Después del semi paso en falso de Edgar, la tercera ópera – Manon Lescaut – fue un éxito extraordinario, quizás el mayor de la carrera de Puccini. Además, fue el inicio de la la colaboración con los libretistas Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Illica y Giacosa escribieron después los libretos de las siguientes tres óperas de Puccini, las más famosas.
La primera, La Bohème (basada en la novela de Henri Murger Scènes de la vie de Bohème), es, quizás, su ópera más famosa. Entre las obras maestras del panorama operístico tardorromántico, La Bohème es un ejemplo de síntesis dramatúrgica, estructurada en cuatro "cuadros”.
La siguiente ópera, Tosca, representa la incursión de Puccini en el melodrama histórico. El tema, tomado de Victorien Sardou, puede recordar algunos estereotipos de la ópera verista, pero las soluciones musicales anticipan más bien, en particular en el segundo acto, el naciente expresionismo musical.
La tercera ópera es Madama Butterfly. Está basada en un drama de David Belasco y es la primera ópera exótica de Puccini. Su estreno en la Scala de Milán en 1904 fue un solemne fiasco, probablemente en parte orquestado por sus críticos. Sin embargo, después de algunas modificaciones, esta ópera obtuvo un pleno éxito que dura hasta hoy.
La colaboración con Illica y Giacosa fue ciertamente la más productiva de la carrera artística de Puccini. A Luigi Illica, dramaturgo y periodista, le correspondía la tarea de esbozar el fondo y definir la trama poco a poco, discutiéndola con Puccini, para acabar con un texto completo. A Giuseppe Giacosa, autor de comedias de éxito y profesor de literatura, le correspondía el delicado trabajo de poner en verso el texto, manteniendo tanto los aspectos literarios como los musicales, tarea que realizaba con gran paciencia y sensibilidad poética.
La última palabra la tenía siempre Puccini, al cual Giulio Ricordi le apodaba el Dogo, por el predominio que ejercía en el grupo. Ricordi contribuía también personalmente a la creación de los libretos, sugiriendo soluciones, de vez en cuando escribiendo versos y, sobre todo, mediando entre los libretistas y el músico en las ocasiones de las frecuentes controversias debidas a la costumbre de Puccini de revolucionar el hilo dramático durante la génesis de las óperas.

La crisis
A partir de 1903 comenzaron los años más difíciles de la vida de Puccini. En ese año, el músico, apasionado de los automóviles, resulta gravemente herido en un accidente de coche y debe seguir una larga y penosa convalecencia.
En 1906, la muerte de Giacosa pone fin a la colaboración a tres que había producido las precedentes obras maestras. Todas las tentativas de colaboración solamente con Illica naufragaron, en particular en el proyecto de una Maria Antonietta.
En 1909, una nueva tragedia y un escándalo golpean profundamente al músico: su aya, Doria Manfredi, de 23 anos, objeto de los celos obsesivos de Elvira, se suicida envenenándose. Este drama agravó más tarde las relaciones el compositor y su esposa.
En 1912, muere también Giulio Ricordi, el editor al cual Puccini se sentía profundamente ligado y a quien consideraba un segundo padre.
En el aspecto artístico, la pasión por el exotismo (del cual nació Madama Butterfly) empujaba cada vez más al artista a afrontar el lenguaje y los estilos de otras tradiciones musicales: nacieron así, en 1910, La fanciulla del West (La chica del Oeste), un western de antes de que existiera este término; y en 1917, La rondine (La golondrina), concebida inicialmente como opereta y convertida finalmente en un híbrido singular entre este género y el de la ópera lírica. Esta crisis se manifestó en la gran cantidad de proyectos abortados, abandonados en un estado de trabajo avanzado (véase la lista del final). A fines del siglo XIX, Puccini intentó también, en varias ocasiones, colaborar con Gabriele D'Annunzio, pero sin llegar a acabar sus obras, quizá debido a que no congeniaban.

El Tríptico
El eclecticismo de Puccini, junto con su incesante búsqueda de soluciones originales, encontraron pleno apogeo en el llamado Il Trittico, tres óperas de un acto, estrenadas en Nueva York, a la vez en 1918. Las tres obras presentan características contrastadas: trágica y verista Il tabarro, elegíaca y lírica Suor Angelica y cómica Gianni Schicchi.
De las tres, la última se convierte rápidamente en popular, mientras que Il tabarro, inicialmente juzgada inferior, ganará con el tiempo el favor pleno de la crítica. Suor Angelica era, sin embargo, la preferida del autor.
Concebidas para representarse en una sola velada, hoy día cada una de las operas del tríptico son casi siempre puestas en escena junto con otras óperas de otros compositores.

Personalidad artística

Figura de proa del mundo operístico italiano, Giacomo Puccini se alejó de la tendencia dominante en su época, la ópera verista.
Es difícil situar a Giacomo Puccini en el panorama internacional, ya que su música, por su contínua evolución artística, no tiene la tensión innovadora de muchos de los mayores compositores europeos de la época.
Puccini se dedicó de manera casi exclusiva a la música teatral y, al contrario de los maestros de la vanguardia novecentista, escribió siempre pensando en el público, cuidando las representaciones y siguiéndolas en las giras por el mundo.
Aunque creó solamente doce óperas (comprendidas las tres en un acto que componen el Tríptico) sus obras se han asentado en los repertorios de los teatros líricos de todo el mundo. Los ingredientes fundamentales de su teatro son la variedad, la rapidez, la síntesis, la profundidad psicológica y la abundancia de hallazgos escénicos.
El público, bien que a veces desorientado por las novedades de cada ópera, al final se ponía de su parte; por el contrario, la crítica musical, en particular la italiana, consideró durante mucho tiempo a Puccini con sospecha u hostilidad. Se le solía acusar en Italia a Puccini de comercial y se decía que su música no era ni italiana, ni rusa, ni alemana, ni francesa. No obstante expresaron su admiración por su trabajo contemporáneo como Stravinski, Schoenberg, Ravel o Webern.
El gran mérito de Puccini fue su inclinación ecléctica, asimilando y sintetizando con habilidad y rapidez lenguajes y culturas musicales diferentes. Para aproximarse a la personalidad artística de Puccini es preciso indagar en las relaciones que urdió con las diferentes culturas musicales y teatrales de su tiempo.